هنر عتیقه به سبک معماری و داخلی. هنر عتیقه آثار هنری از دوران باستان

بلیط 1

هنر باستانی خصوصیات عمومی مراحل توسعه. امپراتوری روم. یونان.

مفهوم باستان در فرهنگ در دوران رنسانس به وجود آمد. این همان چیزی است که اومانیست های ایتالیایی آن را اولین فرهنگ شناخته شده برای خود می نامند. این نام تا به امروز به عنوان مترادف آشنا برای دوران باستان با آن باقی مانده است و دقیقاً فرهنگ یونانی-رومی را از جهان های فرهنگی شرق باستان جدا می کند.

فرهنگ باستانی جهان‌شناختی و مبتنی بر اصل عین‌گرایی است و به طور کلی رویکرد عقلانی (نظری) به درک جهان و در عین حال درک عاطفی و زیبایی‌شناختی آن، منطق هماهنگ و اصالت فردی در حل مسائل اجتماعی دارد. -مشکلات عملی و نظری

مواد تاریخی پیچیده و متنوع معمولاً به چند دوره تقسیم می شود که تاریخ هنر براساس آنها ساخته می شود:

1. دوره باستان - فرهنگ اژه (30-20 قرن قبل از میلاد)

2. دوره هومر (قرن 11 - 8 قبل از میلاد)

3. دوره باستانی (قرن 7 - 6 قبل از میلاد)

4. دوره کلاسیک (قرن پنجم - تا یک سوم آخر قرن چهارم قبل از میلاد)

5. دوره هلنیستی (سوم آخر قرن چهارم - قرن اول قبل از میلاد)

6. دوره توسعه قبایل ایتالیا - فرهنگ اتروسک (قرن 8 - 2 قبل از میلاد)

7. دوره جمهوری خواهان روم باستان (قرن 5-1 قبل از میلاد)

8. دوره امپراتوری روم باستان (قرن 1 تا 5 پس از میلاد)

منابع تاریخ باستان نسبتاً کمیاب است و عمدتاً به دو گروه مادی و مکتوب تقسیم می شود. برای کهن ترین دوره های تاریخ باستان، بناهای فرهنگ و هنر مادی منبع اصلی و گاه تنها منبع هستند. برای مراحل بعدی تاریخ جامعه برده، منابع مکتوب از جمله اسناد رسمی و خصوصی، نامه ها، خاطرات، سخنرانی ها و همچنین ادبیات تاریخی، هنری، علمی و فلسفی نقش حیاتی ایفا می کنند.

· دوره قبلی - هنر اژه (هنر کرتو-میکنایی)- قرن XXX قبل از میلاد مسیح. - قرن XII قبل از میلاد مسیح.

· هنر آخایی - مینوی

1. دوره هندسی("یونان هومری") - حدود 1050 قبل از میلاد - قرن هشتم. قبل از میلاد مسیح.

1. پروتوژئومتریک(دوره زیر مایسینایی) - حدود 1050 قبل از میلاد - حدود. 900 قبل از میلاد

2. هندسی(شکوفایی) - حدود 900 قبل از میلاد - حدود. 750 قبل از میلاد

3. دوره هندسی متاخر(Depylon) - حدود 750 قبل از میلاد - آغاز. قرن هفتم قبل از میلاد مسیح.

2. دوره باستانی- قرن هفتم قبل از میلاد - اوایل قرن پنجم قبل از میلاد مسیح.

1. باستانی اولیه- شروع قرن هفتم قبل از میلاد مسیح. - دهه 570 قبل از میلاد مسیح.

2. باستانی بالغ- دهه 570 قبل از میلاد مسیح. - 525 قبل از میلاد مسیح.

3. باستانی پسین- 525 قبل از میلاد مسیح. - دهه 490 قبل از میلاد مسیح.

3. دوره کلاسیک- قرن پنجم قبل از میلاد - اواسط قرن چهارم قبل از میلاد مسیح.

1. کلاسیک اولیه("سبک دقیق") - طبقه 1. قرن پنجم قبل از میلاد مسیح.

2. کلاسیک بالا- طبقه 2 قرن پنجم قبل از میلاد مسیح.

3. کلاسیک اواخر- قرن چهارم قبل از میلاد مسیح.

4. دوره هلنیستی- آقا قرن چهارم قبل از میلاد مسیح. - قرن اول قبل از میلاد مسیح.

عصر هندسه

آمفور سبک هندسی متأخر، ج. 725-700 قبل از میلاد، لوور

· نام این دوره از نوع نقاشی گلدان بوده است.

فرهنگ یونان باستان در این دوره با ارتباط با فرهنگ آخایی ها و از طریق آنها با هنر کرتی-میکنایی مشخص می شود.

در این دوره روند در حال انجام استکارآموزی بر اساس میراث اژه و شرق باستان. قبایل جدیدی که به شبه جزیره آمدند از نو شروع کردند و از آنچه در سرزمین های اشغالی توسط اسلافشان باقی مانده بود استفاده کردند. در معماری، یونانیان دوره هندسی از ابتدا شروع کردند - با آجر گلی (دوره قبلی با سنگ تراشی سیکلوپی مشخص می شد). مگارون از یک قصر به یک معبد تبدیل می شود: به جای مگارون های قدیمی، پناهگاه های یونانی جدید ظاهر می شود که گونه شناسی آنها را تکرار می کند. ساختمان‌ها با معماری چوبی خشتی، با سقف‌های باسنی، معمولاً مستطیلی، باریک و کشیده، قابل نقاشی بودند.

· معبد آپولو کارنئان در جزیره ترا- بر اساس یک مگارون از قبل موجود ایجاد شده است.

· معبد آرتمیس اورتیا در اسپارتا.

· معبد آپولو در ترموسا (مزرعه).

نقاشی که نام خود را به این دوره داده است به بهترین وجه نشان داده شده است. سبک او بر اساس ویژگی هندسی اواخر اژه است. در پروتوژئومتریک، ابزارها شروع به استفاده کردند - قطب نما، خط کش. در دوران شکوفایی هندسی، ظروف عمدتاً بسته ای رواج داشت که تمام سطح آن را نقوش هندسی پوشانده بود. به طور خاص ویژگی های یونانی شروع به شکل گیری می کنند: نقاشی مبتنی بر ثبت، و همچنین الگوها - پیچ و خم، دندان، مثلث، امواج، شبکه.

هندسه متأخر

اسب، برنز، المپیا، حدود 740 قبل از میلاد لوور

عصر هندسه متأخر نام داشت "دپیلونسکی"از ظروف کشف شده در دروازه Depylon در آتن. آنها شروع به ساختن روبان بر روی مهمترین ویژگی ها می کنند، از ترکیب بندی های فیگوراتیو بزرگ استفاده می کنند و تصاویری از حیوانات هندسی ظاهر می شوند. کیفیت سفال بهبود می یابد، اشکال بزرگ ظاهر می شود. مراکز - در آرگوس، بوئوتیا، آتیکا. نقاشی ها با استفاده از لاک قهوه ای(میراث آخاییان). در دوره بعد، بنفش و سفید شروع به اضافه شدن می کنند. به اصطلاح در نقاشی ها ظاهر می شود. محلول فرش

تصاویر انسان ها عملاً بر اساس قانون مصر باستان ساخته شده است. آنها واقعاً تصویر اسب را دوست دارند. سطح گلدان ها جلا داده شده است - آنها را با لاک رقیق مایع عبور می دهند و رنگ صورتی مایل به طلایی به دست می آورند. جهت با سبک شناسی دقیق، افزایش تکتونیکی و تناسب قابل توجه مشخص می شود.

هیچ مجسمه بزرگی باقی نمانده است. فرم های کوچک معمولا به چند سبک تقسیم می شوند:

· سبک "بدن" - مجسمه های عظیم، سنگ، سفالین، نقاشی شده به سبک هندسی

· سبک "اندام های کشیده" - فلز، دلبستگی عالی به نسبت های واقعی.

دوره باستانی (قرن های هفتم - ششم قبل از میلاد)[ویرایش | ویرایش متن ویکی]

قرن هفتم قبل از میلاد - اوایل 5. ج. قبل از میلاد مسیح. در دوره باستانی، اولین اشکال هنر یونان باستان ظهور کرد - مجسمه سازی و نقاشی گلدان، که در دوره کلاسیک بعدی واقع گرایانه تر شد. سبک‌های نقاشی گلدانی مانند سفال‌های سیاه‌پیکر که در قرن هفتم در کورینت به وجود آمدند، مرتبط با دوره باستانی متاخر است. قبل از میلاد مسیح ه. عناصری به تدریج در سرامیک هایی ظاهر می شوند که مشخصه سبک باستانی نیستند و از مصر باستان به عاریت گرفته شده اند - مانند حالت "پای چپ به جلو" ، "لبخند باستانی" ، یک تصویر تلطیف شده از مو - به اصطلاح "موی کلاه ایمنی". در دوران باستانی، انواع اصلی مجسمه سازی به یاد ماندنی شکل گرفت - مجسمه های یک ورزشکار جوان برهنه (کوروس) و یک دختر پوشیده شده (کورا).

مجسمه ها از سنگ آهک و مرمر، سفالین، برنز، چوب و فلزات کمیاب ساخته شده اند. این مجسمه ها - هم به صورت مستقل و هم به صورت نقش برجسته - برای تزئین معابد و به عنوان بناهای تدفین مورد استفاده قرار می گرفتند. مجسمه ها هم صحنه های اساطیری و هم زندگی روزمره را به تصویر می کشند. مجسمه هایی در اندازه واقعی به طور ناگهانی در حدود 650 سال قبل از میلاد ظاهر می شوند. ه.

رئیس یک کوروس، موزه آکروپولیس آتن

هلنیسم

می توان 3 دوره از هلنیسم را به عنوان یک سیستم یکپارچه تشخیص داد: 1) 334-281. قبل از میلاد مسیح قبل از میلاد - تشکیل امپراتوری اسکندر کبیر و فروپاشی آن در نتیجه جنگ های دیادوچی. 2) 280 ق.م قبل از میلاد - اواسط قرن دوم قبل از میلاد مسیح قبل از میلاد - دوره بلوغ هلنیسم در آخرین قرن وجود خود توسعه یافت. 3) اواسط قرن دوم. قبل از میلاد مسیح ه. - 30 قبل از میلاد - دوره افول هلنیسم و ​​مرگ آن.

معابد یونان باستان

وظیفه اصلی معماری یونانیان ساخت معابد بود. شکل‌های هنری را به وجود آورد که بعداً به سازه‌هایی از انواع مختلف منتقل شد. در طول کل زندگی تاریخی یونان باستان، معابد آن همان نوع اولیه را حفظ کردند که بعداً توسط رومیان باستان پذیرفته شد. معابد یونانی مانند معابد مصر باستان و شرق نبودند: آنها معابد اسرارآمیز عظیم و الهام‌بخش مذهبی از خدایان مهیب و هیولا نبودند، بلکه خانه‌های دوستانه خدایان انسان‌نما بودند که مانند خانه‌های انسان‌های فانی ساخته شده بودند، بلکه زیباتر و زیباتر بودند. ثروتمند.

به گفته پاوسانیاس، معابد در ابتدا از چوب ساخته شده بودند. سپس شروع به ساختن آنها از سنگ کردند، اما برخی از عناصر و تکنیک های معماری چوبی حفظ شد. معبد یونانی بنایی بود عمدتاً با اندازه متوسط، که در داخل محوطه‌ای مقدس بر پایه‌ای چند پله قرار داشت و در ساده‌ترین شکل آن شبیه خانه‌ای مستطیل بود که در پلان دو مربع کنار هم و سقف شیروانی و نسبتاً شیب‌دار داشت. یکی از اضلاع کوتاه آن با دیوار بیرون نمی رفت، که در اینجا با دو ستون در امتداد لبه ها و دو ستون (گاهی 4، 6، و غیره، اما همیشه حتی به تعداد) که در دهانه بین آنها ایستاده بودند، جایگزین شد و کمی عقب نشینی کردند. در عمق ساختمان (معمولاً ⅓ مربع)، توسط یک دیوار عرضی با دری در وسط مسدود شده بود، به طوری که معلوم شد چیزی شبیه یک ایوان یا ورودی سرپوشیده و یک اتاق داخلی است که از هر طرف بسته شده است - پناهگاهی، جایی که مجسمه ای از خدا ایستاده بود و هیچ کس به جز کشیشان حق ورود به آن را نداشت. چنین ساختمانی "معبد در ستون" نامیده می شود. در برخی موارد دقیقاً همان ایوان نمای جلو نیز در طرف مقابل تعبیه شده است. ستون‌ها و ستون‌های دهلیز سقف و سقف را نگه می‌داشتند که در بالای آن‌ها یک پدال مثلثی شکل می‌گرفت.

قدیمی، کهنه

این دوره شامل مجسمه هایی است که از قرن هفتم قبل از میلاد تا آغاز قرن پنجم قبل از میلاد ساخته شده اند. در آن دوران، پیکره هایی از جنگجویان جوان برهنه (کوروس) و همچنین بسیاری از چهره های زن در لباس (کورا) به ما داده شد. مجسمه های باستانی با برخی طرح ها و عدم تناسب مشخص می شوند. از سوی دیگر، هر یک از آثار مجسمه ساز به دلیل سادگی و احساسات مهار شده جذاب است. چهره های این دوران با نیم لبخند مشخص می شوند که به آثار کمی رمز و راز و عمق می بخشد.

"الهه با انار" که در موزه دولتی برلین نگهداری می شود، یکی از بهترین مجسمه های باستانی حفظ شده است. علیرغم ناهمواری های بیرونی و تناسبات «اشتباه»، توجه بیننده به دستان مجسمه جلب می شود که توسط نویسنده به طرز درخشانی اجرا شده است. ژست بیانی مجسمه آن را پویا و به ویژه رسا می کند.

"کوروس از پیرئوس" که مجموعه موزه آتن را زینت می دهد، اثری متأخرتر و در نتیجه پیشرفته تر از مجسمه ساز باستانی است. قبل از تماشاگر یک جنگجوی جوان قدرتمند است. خم شدن جزئی سر و حرکات دست نشان دهنده گفتگوی مسالمت آمیزی است که قهرمان انجام می دهد. نسبت های به هم ریخته دیگر چندان چشمگیر نیستند. و ویژگی های صورت به اندازه مجسمه های اولیه دوره باستانی تعمیم داده نشده است.

کلاسیک

بیشتر مردم مجسمه های این دوره خاص را با هنر پلاستیک باستانی مرتبط می دانند.

در دوران کلاسیک، مجسمه های معروفی مانند آتنا پارتنوس، زئوس المپیک، دیسکوبولوس، دوریفوروس و بسیاری دیگر ساخته شدند. تاریخ نام مجسمه سازان برجسته آن دوران را برای آیندگان حفظ کرده است: Polykleitos، Phidias، Myron، Scopas، Praxiteles و بسیاری دیگر.

شاهکارهای یونان کلاسیک با هماهنگی، نسبت های ایده آل (که نشان دهنده دانش عالی آناتومی انسان است) و همچنین محتوای داخلی و پویایی متمایز می شوند.

این دوره کلاسیک است که با ظهور اولین چهره های زن برهنه (آمازون زخمی، آفرودیت کنیدوس) مشخص می شود که ایده آل زیبایی زنانه را در اوج دوران باستان به دست می دهد.

هلنیسم

مشخصه دوران باستان یونان متاخر تأثیر شرقی قوی بر تمام هنرها به طور کلی و مجسمه سازی به طور خاص است. زوایای پیچیده، پارچه های نفیس، و جزئیات متعدد ظاهر می شوند.

احساسات و خلق و خوی شرقی در آرامش و شکوه کلاسیک ها نفوذ می کند.

آفرودیت سیرنه که موزه حمام های رومی را تزئین می کند، مملو از حس و حال و حتی کمی عشوه گری است.

معروف‌ترین ترکیب مجسمه‌سازی دوران هلنیستی Laocoon و پسرانش Agesander رودس هستند (این شاهکار در یکی از موزه های واتیکان). این ترکیب پر از درام است، طرح خود نشان دهنده احساسات قوی است. خود قهرمان و پسرانش با مقاومت ناامیدانه در برابر مارهای فرستاده شده توسط آتنا، به نظر می رسد که می دانند سرنوشت آنها وحشتناک است. این مجسمه با دقت فوق العاده ای ساخته شده است. ارقام پلاستیکی و واقعی هستند. چهره شخصیت ها تاثیر قوی بر بیننده می گذارد.

امپراتوری روم

هنر امپراتوری روم، اول از همه، با ایجاد تصاویر امپراتور - مجسمه ها و پرتره ها مشخص می شود. اغلب، مجسمه های دوران کلاسیک یونان به عنوان الگو عمل می کردند. به طور کلی، تأثیر هنر یونانی قدرت بی سابقه ای به دست آورد، به ویژه در پایان قرن اول قبل از میلاد. در مجسمه‌سازی یونانی، استادان رومی دریافتند که زبان پلاستیکی و آن روش‌های قهرمان‌سازی که به بهترین وجه نیازهای دوران آغاز امپراتوری را برآورده می‌کند.

معماری روم باستان

ساخت و ساز رومی نوآورانه بود. اگرچه از دستاوردهای معماری هلنیستی (با فضایی توسعه یافته خود) بهره برده است، اما همچنان مفهوم خود را با رویکردی جدید به فضا و فرم معماری اجرا می کند. معماری از علایق عملی و ایدئولوژیک جمهوری تغذیه می شد، به همین دلیل است که پیشرفت تکنولوژی ساخت و ساز به سرعت پیش رفت، به ویژه در مورد وظایف خاص (لوله کشی، تصفیه خانه های فاضلاب، دیوارهای پشتیبان، وسایل نقلیه نظامی، اردوگاه ها). در اواخر جمهوری، نیاز به تزئین شهر از قبل احساس می شد.

اساس معماری رم طاق بود که باعث ایجاد یک طاق بشکه ای و یک طاق کشاله ران می شود. این سیستم پایدار نیروهای خنثی کننده متقابل به شما امکان می دهد فضای بزرگی را بپوشانید و آنها را محدود کنید. طاق به اختراع گنبد منتهی می شود.

تئاتر رومی نیز به یونان باستان وابسته است، اما رومی ها از دامنه های طبیعی تپه استفاده نمی کردند، بلکه در زمینی هموار به شکل یک حلقه سنگی بزرگ ساخته بودند. ارکستر به تدریج اهمیت خود را از دست می دهد و به یک مکان VIP تبدیل می شود. دیوار پشتی (اسکن) به یک سازه معماری تبدیل می شود. عشق به نبردهای گلادیاتورها با ترکیب دو نیمکره آینه ای منجر به پیدایش آمفی تئاترهای گرد و بیضی شکل شد.

نوع دیگری از معماری آگوستایی طاق پیروزی است (به عنوان مثال، در ریمینی، آئوستا، شوش)، که تاریخ را از طاق اتروسکی هدایت می کند و با عناصر کلاسیک تکمیل می شود. شناسایی طاق به عنوان یک نوع بنای مستقل نشانه ای از تمایل رومی ها برای تجسم ارزش های ایدئولوژیک بنیاد دولت است. به طور کلی، مفهوم یک بنای تاریخی که برای تمام معماری رومی بسیار مهم است، "با میل به برقراری ارتباطی ملموس بین گذشته تاریخی، حال و آینده همراه است و به اشکال ملموس و ماندگار تخطی از مبانی ایدئولوژیک را بیان می کند."

آمفی تئاتر فلاویان - کولوسئوم - نماد شهر شد. برای هزاران سال اهمیت ایدئولوژیکی خاصی پیدا کرد. مسابقات سیرک که در آنجا برگزار می شد در همان زمان یک "روی پیروزمندانه" بود که دائماً در مقابل عموم آشکار می شد. آمفی تئاتر با ظرفیت 45 هزار تماشاگر با دقت طراحی شد، جریان های حمل و نقل و عابران پیاده از هم جدا شدند. کولوسئوم بر چشم انداز تسلط داشت و چشم انداز تاریخی شهر را تکمیل می کرد. برای اولین بار، ساختمان با در نظر گرفتن نقش آن در برنامه ریزی شهر، در ارتباط با محیط شهری اطراف طراحی شد.

نقاشی های دیواری

نقش برجسته محراب صلح

در معماری رومی، دیوار نقش تعیین کننده فضا را ایفا می کند، علاوه بر این، فضایی را بر هوای مقابل خود اعمال می کند. به طور مشابه، کف استخر رنگ سطح آب را تعیین می کند. دیوار مکانی محکم نبود، بلکه فضایی با عمق خیالی بود، بنابراین مکانی برای به تصویر کشیدن طبیعت، تاریخ، اسطوره ها و مانند "پرده ای برای فرافکنی" بود.

نمونه بارز آن محراب صلح است که در زمان آگوستوس ساخته شده است. در 4 ضلع آن نقش برجسته هایی با نقش و نگارهای گل دار دیده می شود. قسمت‌های بیرون زده نقش برجسته با فضا، نور، هوا تعامل دارند، در حالی که لایه‌های دیگر به تخریب توهم‌آمیز صفحه فیزیکی و ایجاد عمق خیالی کمک می‌کنند. به نظر می رسد که این هواپیما یک "غشای اتصال" بین فضاهای طبیعی و خیالی است.

نقاشی رومی

"عروسی آلدوبراندینی" (قطعه)

نقاشی سه پایه رم باقی نمانده است، اما از منابع شناخته شده است. تنها نمونه ها تصاویر موجود در نقاشی های دیواری پمپئی و هرکولانیوم هستند. برای گذشتگان، نقاشی وسیله ای برای انتقال تصاویر بود و نیازی به ساختار بدن و وزن پلاستیکی نداشت. این به تعادل لکه های رنگی، نور و سنت خلاصه می شود و به مدل های یونانی اشاره دارد.

در ویلای اسرار پمپئی، یک فریز وجود دارد که یک مراسم آیینی را به تصویر می‌کشد. فیگورها در مقابل دیوار قرمز برجسته هستند، که خطوط دقیق آنها را با سادگی کلاسیک برجسته می کند. کانتورها نه با خطوط، بلکه توسط تضادهای رنگی ایجاد می شوند و در عین حال هنرمند تلاش می کند تا برجستگی بدن آنها را نشان ندهد، بلکه سعی می کند تصاویر خود را ثابت کند، تا این تصاویر اثیری را بر روی صفحه دیوار نشان دهد. این نقاشی ها بر اساس تقلید از طرح های هلنیستی ساخته شده اند. اما شواهدی مبنی بر منشأ رومی آن‌ها، تفسیری کاملاً طبیعت‌گرایانه است، درشت‌کردن تصویر (همانطور که در مورد اتروسک‌ها اتفاق افتاد). در مناظر و به‌ویژه پرتره‌ها، تصویر برای صدق بیشتر اغراق‌آمیز بود. در مناظر، از تکنیک هایی برای انتقال تصاویر واهی استفاده می شود. در تصویر باغ ویلا لیویا در رم موجودی واقعی گیاهان وجود دارد. هنرمند تصویری گمانه‌زنانه از طبیعت را در نقاشی مجسم می‌کند که برای انتقال آن یک تکنیک کلی، روان و طرح‌واره مناسب است. این تکنیک در نقاشی‌های کاتاکومب مسیحی اولیه، جایی که تصاویر نمادین قدیسان هیچ ارتباطی با دنیای واقعی ندارند، روان‌تر می‌شود.

هنگام ایجاد پرتره، هنرمندان رومی نیز از یک "نوع" خاص شروع کردند که سپس با ویژگی های خاص یک چهره فردی وقف شد. در پرتره‌های فیوم، چهره‌ها از جلو با چشمانی کاملا باز به تصویر کشیده می‌شدند که نشان‌دهنده «زندگی» آنهاست. در این روش، از انتخاب یک یا آن ویژگی فیزیولوژیک استفاده می شود. روش تصویرسازی نه بر اساس طبیعت، بلکه بر اساس ایده نوع شخص است که از آن حرکتی به سمت طبیعت است، حرکتی از کلی به جزئی، بدون تماس با واقعیت.

مجسمه سازی

مجسمه سازی رومی بسیار تحت تأثیر مجسمه سازی یونانی قرار گرفت که تأثیر اتروسک ها و همچنین حضور استادان یونانی و کپی مجسمه های کلاسیک در روم تسهیل شد. پرتره‌های مجسمه‌سازی رومی از نظر رئالیسم با نمونه‌های هلنیستی و اتروسکی متفاوت هستند، که به ویژه در نقاب‌های تشییع جنازه رومی قابل توجه است.

مجسمه های پرتره متعلق به قرن اول. قبل از میلاد مسیح ه. نه تنها درگیر شباهت، بلکه در تأمل نیز هستند مسیر زندگیشخص با این حال، شباهت فوق العاده است. یک بی نظمی جزئی - یک قوس کمی بزرگتر از ابروها یا یک چین لب - به پرتره کمک می کند تا شبیه ترین حالت را به تصویر بکشد. این تکنیک حتی در پرتره های رسمی نیز ادامه دارد. پرتره روشی برای حفظ تاریخ است.

ستون تراژان (113 پس از میلاد) دارای مارپیچی از نقش برجسته‌ها است که کارهای نظامی امپراتور را بازگو می‌کند. نوار 200 متری قسمت های 2 کمپین در داچیا را نشان می دهد. رویدادها به رویدادهای اوج تقسیم نمی شوند، جنبش پر جنب و جوش است - اما ناگهانی نیست. منظره با جزئیات منتقل می شود - یک موج یا یک تکه دیوار. نسبت های معمولی استفاده نمی شود.

در زمان امپراتور کومودوس، تلاش جدیدی برای دمیدن به جنبش دربار انجام شد، حتی ضعیف‌تر و «رفتارگراتر». در دوران گالینس، هنر پلاستیک رنگی از نوستالژی را نسبت به کلاسیک گرایی سخت آگوستوس، ایده آل روزهای خوب قدیم به دست آورد. با این حال، هنر درباری به طور فزاینده ای جای خود را به فشار گرایش های استانی می دهد، که نیازهای جامعه ای پر از آموزه های مختلف را بهتر برآورده می کند.

سارکوفاگ، 170

مد برای تابوتها با نقش برجسته در زمان هادریان شروع شد. بعداً به دلیل تعداد زیاد کارگاه ها در رم، بیشتر و بیشتر گسترش یافت. موضوعات مختلفی استفاده می شود - تاریخی، اساطیری، تمثیلی. آنها از رپرتوار کلاسیک که قبلاً ارتباط خود را از دست داده است، استخراج شده اند. آنها از حافظه تکثیر می شوند و بسته به نویسنده یا مشتری با جزئیات تکمیل می شوند. معمولاً اینها مضامین مرثیه ای درباره زندگی زودگذر و مرگ اجتناب ناپذیر هستند. این حال و هوای شاعرانه منجر به نقض قوانین کلاسیک می شود. ترکیب متفاوت است: روایت یا پیوسته است یا به صورت فرعی: به صورت افقی به نوارها، به صورت عمودی به طاقچه ها یا ادیکول ها.

سازماندهی فضا

هر ترکیب منظره از انواع عناصر زیر تشکیل شده است:

· طراحی شده (سایت ها، کوچه ها، مسیرها)

· حجمی (گیاهان، بوته ها، درختان، ساختمان ها، نقش برجسته و غیره)

· عناصر مسطح (مسطح، چمن، چمن، حوضچه)

یک طرح رنگی

رنگ یکی از ابزارهای اصلی ترکیب بندی است طراحی منظررساتر می شود بزرگترین مشکل در اینجا نیاز به در نظر گرفتن این است که با تغییر فصول و رشد گیاهان، رنگ آنها تغییر می کند. در زمستان درختان معمولی شاخ و برگ خود را از دست می دهند و رنگ آنها بر خلاف تابستان فقط با رنگ تنه و شاخه ها مشخص می شود. به طور معمول، پس زمینه منظره چمنزارهای چمنی است که از آوریل تا سپتامبر تغییر رنگ می دهند. ویژگی مهم اجسام علاوه بر رنگ، بافت آنها نیز هست که به ماهیت سطح آنها اشاره دارد.

بلیط 2

هنر

مجسمه‌هایی در کلیسای جامع مقدس موریس و کاترین در ماگدبورگ، آلمان

پورتال چشم انداز کلیسای جامع کلن

مجسمه سازی

مجسمه سازی نقش بزرگی در ایجاد تصویر کلیسای جامع گوتیک ایفا کرد. در فرانسه، او عمدتاً دیوارهای خارجی آن را طراحی کرد. ده‌ها هزار مجسمه، از ازاره تا قله‌ها، کلیسای جامع گوتیک را در خود جای داده‌اند.

رابطه مجسمه سازی و معماری در گوتیک با هنر رمانسک متفاوت است. از نظر رسمی، مجسمه سازی گوتیک بسیار مستقل تر است. به همان اندازه که در دوره رومانسک بود، تابع صفحه دیوار نیست، خیلی کمتر به چارچوب. مجسمه های یادبود گرد به طور فعال در گوتیک در حال توسعه است. اما در عین حال، مجسمه گوتیک بخشی جدایی ناپذیر از مجموعه کلیسای جامع است؛ بخشی از فرم معماری است، زیرا همراه با عناصر معماری، حرکت رو به بالا ساختمان، معنای تکتونیکی آن را بیان می کند. و با ایجاد یک بازی تکانشی نور و سایه، به نوبه خود، توده های معماری را زنده می کند، معنوی می کند و تعامل آنها با محیط هوا را ارتقا می دهد.

مجسمه سازی گوتیک متاخر بسیار تحت تأثیر هنر ایتالیایی قرار گرفت. در حدود سال 1400، کلاوس اسلاتر تعدادی از آثار مجسمه‌سازی قابل توجهی را برای فیلیپ بورگوندی خلق کرد، مانند مدونای نمای کلیسای تدفین فیلیپ و پیکره‌های چاه پیامبران (1395-1404) در چامول نزدیک دیژون. در آلمان آثار تیلمن ریمنشنایدر، ویت استوس و آدام کرافت به خوبی شناخته شده است.

رنگ آمیزی

جنبش گوتیک در نقاشی چندین دهه پس از ظهور عناصر سبک در معماری و مجسمه سازی شکل گرفت. در انگلستان و فرانسه، انتقال از سبک رومی به سبک گوتیک در حدود سال 1200، در آلمان - در دهه 1220، و اخیراً در ایتالیا - در حدود سال 1300 اتفاق افتاد.

هنرمند ناشناس جان نیک (1359). یکی از اولین پرتره های گوتیک که تا به امروز باقی مانده است

یکی از جهات اصلی نقاشی گوتیک رنگ آمیزی بود که به تدریج جایگزین نقاشی دیواری شد. تکنیک شیشه های رنگی مانند دوره قبل باقی ماند، اما پالت رنگ بسیار غنی تر و رنگارنگ تر شد و موضوعات پیچیده تر - همراه با تصاویر موضوعات مذهبی، پنجره های شیشه ای رنگی روی آن ظاهر شد. موضوعات خانگی. علاوه بر این، نه تنها شیشه های رنگی، بلکه شیشه های بی رنگ نیز در شیشه های رنگی مورد استفاده قرار گرفتند.

دوره گوتیک دوران شکوفایی مینیاتورهای کتاب را شاهد بود. با ظهور ادبیات سکولار (رمان های جوانمردانه و غیره)، دامنه نسخه های خطی مصور گسترش یافت و کتاب های ساعت ها و مزامیر با مصور فراوان نیز برای استفاده خانگی ایجاد شد. هنرمندان شروع به تلاش برای بازتولید دقیق تر و دقیق تر از طبیعت کردند. نمایندگان برجسته مینیاتورهای کتاب گوتیک برادران لیمبورگ، مینیاتوریست های درباری دوک بری هستند که معروف "کتاب باشکوه ساعات دوک بری" (حدود 1411-1416) را خلق کردند.

ژانر پرتره در حال توسعه است - به جای یک تصویر معمولی انتزاعی از یک مدل، هنرمند تصویری را ایجاد می کند که دارای ویژگی های فردی ذاتی یک فرد خاص است.

سلطنت تقریباً هزار ساله قوانین بیزانس در هنرهای زیبا در حال پایان است. جوتو در چرخه نقاشی های دیواری کلیسای کوچک Scrovegni، افراد را در نیمرخ به تصویر می کشد، چهره هایی را در پیش زمینه با پشت به بیننده قرار می دهد و تابوی نقاشی بیزانسی را در هر زاویه ای غیر از زاویه جلو می شکند. او کاراکترهایش را ژست می‌کند، فضایی ایجاد می‌کند که انسان در آن حرکت می‌کند. نوآوری جوتو در جذابیت او برای احساسات انسانی نیز مشهود است.

از ربع آخر قرن چهاردهم، هنرهای تجسمی اروپا تحت سلطه سبکی بوده که بعدها گوتیک بین المللی نامیده شد. این دوره در حال گذار به نقاشی پروتو رنسانس بود.

بلیط 3

بلیط 4

پروتو رنسانس

رنسانس اولیه با قرون وسطی، با سنت‌های رومی و گوتیک ارتباط نزدیکی دارد؛ این دوره مقدمات رنسانس بود. به دو دوره فرعی تقسیم می شود: قبل از مرگ جوتو دی بوندونه و بعد از آن (1337). مهمترین اکتشافات، درخشان ترین استادان در دوره اول زندگی و کار می کنند. بخش دوم مربوط به اپیدمی طاعون است که ایتالیا را درنوردیده است. در پایان قرن سیزدهم، ساختمان اصلی معبد در فلورانس ساخته شد - کلیسای جامع سانتا ماریا دل فیوره، نویسنده آرنولفو دی کامبیو بود، سپس کار توسط جوتو، که کمپین کلیسای جامع فلورانس را طراحی کرد، ادامه یافت.

Benozzo Gozzoli ستایش مغان را به عنوان یک راهپیمایی رسمی از درباریان مدیچی به تصویر کشید.

اولین هنر رنسانس اولیه خود را در مجسمه سازی نشان داد (نیکولو و جیووانی پیزانو، آرنولفو دی کامبیو، آندریا پیزانو). نقاشی توسط دو مدرسه هنری ارائه می شود: فلورانس (Cimabue، Giotto) و Siena (Duccio، Simone Martini). جوتو به شخصیت اصلی نقاشی تبدیل شد. هنرمندان رنسانس او ​​را اصلاح کننده نقاشی می دانستند. جوتو مسیر توسعه آن را ترسیم کرد: پر کردن فرم های مذهبی با محتوای سکولار، گذار تدریجی از تصاویر مسطح به تصاویر سه بعدی و برجسته، افزایش رئالیسم، وارد کردن حجم پلاستیکی فیگورها به نقاشی و به تصویر کشیدن فضای داخلی. در نقاشی

رنسانس اولیه.

دوره به اصطلاح "رنسانس اولیه" دوره 1420 تا 1500 در ایتالیا را در بر می گیرد. در طول این هشتاد سال، هنر هنوز به طور کامل سنت های گذشته نزدیک را کنار نگذاشته است، بلکه سعی کرده است عناصری را که از دوران باستان به عاریت گرفته شده، در آنها بیامیزد. تنها بعدها، و تنها اندک اندک، تحت تأثیر تغییرات روزافزون شرایط زندگی و فرهنگ، هنرمندان به طور کامل مبانی قرون وسطایی را کنار می گذارند و جسورانه از نمونه هایی از هنر باستانی چه در مفهوم کلی آثار خود و چه در جزئیات آنها استفاده می کنند.

در حالی که هنر در ایتالیا قاطعانه مسیر تقلید از دوران باستان کلاسیک را دنبال می کرد، در کشورهای دیگر مدت ها به سنت های سبک گوتیک پایبند بود. در شمال کوه‌های آلپ و همچنین در اسپانیا، رنسانس تا پایان قرن پانزدهم آغاز نمی‌شود و دوره اولیه آن تقریباً تا اواسط قرن بعد ادامه می‌یابد.

رنسانس بالا.

پیتا (میکل آنژ) (1499): در طرح مذهبی سنتی، احساسات ساده انسانی به منصه ظهور می رسد - عشق و غم مادری

دوره سوم رنسانس - زمان باشکوه ترین توسعه سبک او - معمولاً "رنسانس عالی" نامیده می شود. تقریباً از 1500 تا 1527 در ایتالیا گسترش یافته است. در این زمان، مرکز تأثیر هنر ایتالیایی از فلورانس، به لطف الحاق به تاج و تخت پاپی ژولیوس دوم - مردی جاه طلب، شجاع، مبتکر که بهترین هنرمندان ایتالیا را به دربار خود جذب کرد، به رم منتقل شد، آنها را با آثار متعدد و مهم و عشق به هنر را برای دیگران مثال زد. تحت این پاپ و در زمان جانشینان بلافصل او، رم به آتن جدید زمان پریکلس تبدیل می‌شود: بسیاری از ساختمان‌های تاریخی در آن ساخته شده‌اند، آثار مجسمه‌سازی باشکوهی خلق می‌شوند، نقاشی‌های دیواری و نقاشی کشیده می‌شوند، که هنوز هم به عنوان یکی از بناهای یادبود در نظر گرفته می‌شوند. مروارید نقاشی; در عین حال، هر سه شاخه هنر به طور هماهنگ دست به دست هم می دهند و به یکدیگر کمک می کنند و متقابلاً بر یکدیگر تأثیر می گذارند. دوران باستان اکنون با دقت بیشتری مورد مطالعه قرار می گیرد و با دقت و قوام بیشتری بازتولید می شود. آرامش و وقار جایگزین زیبایی بازیگوشی می شود که آرزوی دوره قبل بود. خاطرات قرون وسطی به طور کامل ناپدید می شوند و اثری کاملاً کلاسیک بر تمام خلاقیت های هنری می افتد. اما تقلید از پیشینیان استقلال آنها را در هنرمندان از بین نمی‌برد و آنها با تدبیر و تخیل فراوان، آزادانه آنچه را که مناسب می‌دانند از هنر یونان باستان رومی وام بگیرند، دوباره کار می‌کنند و در آثار خود به کار می‌گیرند.

کار سه استاد بزرگ ایتالیایی اوج رنسانس را نشان می دهد: لئوناردو داوینچی (1452-1519)، میکل آنژ بووناروتی (1475-1564) و رافائل سانتی (1483-1520).

اواخر رنسانس.

بحران رنسانس: تینتورتو ونیزی در سال 1594 شام آخر را به عنوان یک گردهمایی زیرزمینی در انعکاس های نگران کننده گرگ و میش به تصویر کشید.

اواخر رنسانس در ایتالیا دوره ای از 1530 تا 1590 تا 1620 را در بر می گیرد. برخی از محققان نیز دهه 1630 را بخشی از اواخر رنسانس می دانند، اما این موضع در میان منتقدان هنری و مورخان بحث برانگیز است. هنر و فرهنگ این زمان در مظاهر خود به قدری متنوع است که تنها با میزان زیادی از قرارداد می توان آنها را به یک مخرج تقلیل داد. به عنوان مثال، دایره المعارف بریتانیکا می نویسد که "رنسانس به عنوان یک دوره تاریخی منسجم با سقوط رم در سال 1527 پایان یافت." در جنوب اروپا، ضد اصلاحات پیروز شد، که با احتیاط به هر اندیشه آزاد، از جمله تجلیل از بدن انسان و احیای آرمان های دوران باستان به عنوان سنگ بنای ایدئولوژی رنسانس می نگریست. تضادهای جهان بینی و احساس کلی بحران در فلورانس به هنر "عصبی" رنگ های ساختگی و خطوط شکسته - رفتارگرایی منجر شد. رفتارگرایی تنها پس از مرگ این هنرمند در سال 1534 به پارما، جایی که کورجو کار می کرد، رسید. سنت های هنری ونیز منطق توسعه خاص خود را داشتند. تا پایان دهه 1570. تیتیان و پالادیو در آنجا کار می کردند که کارشان با بحران هنر فلورانس و رم شباهت چندانی نداشت.

معماری

اصلی ترین چیزی که این دوران را مشخص می کند، بازگشت در معماری به اصول و اشکال هنر باستانی، عمدتا رومی است. اهمیت ویژه ای در این جهت به تقارن، تناسب، هندسه و نظم داده می شود اجزاء، همانطور که نمونه های بازمانده از معماری رومی به وضوح نشان می دهد. نسبت‌های پیچیده ساختمان‌های قرون وسطایی با آرایش منظمی از ستون‌ها، ستون‌ها و لنگه‌ها جایگزین می‌شوند؛ خطوط نامتقارن با نیم‌دایره‌ای از طاق، نیمکره گنبد، طاقچه‌ها و لنگه‌ها جایگزین می‌شوند. پنج استاد بزرگ ترین سهم را در توسعه معماری رنسانس داشتند:

کلیسای روح القدس در فلورانس (معمار F. Brunelleschi)

· فیلیپو برونلسکی (1377-1446) - بنیانگذار معماری رنسانس، نظریه پرسپکتیو و سیستم نظم را توسعه داد، بسیاری از عناصر معماری باستانی را به عمل ساخت و ساز بازگرداند، که برای اولین بار در قرن ها گنبد (کلیسای جامع فلورانس) را ایجاد کرد. ) که هنوز بر چشم انداز فلورانس غالب است.

· لئون باتیستا آلبرتی (1402-1472) - بزرگترین نظریه پرداز معماری رنسانس، خالق مفهوم کل نگر آن، نقوش کلیساهای اولیه مسیحی از زمان کنستانتین، ایجاد شده در کاخ روسلای را بازاندیشی کرد. نوع جدیدیک اقامتگاه شهری با نمای روستایی که توسط چندین ردیف ستون‌ها جدا شده است.
میکل آنژ بووناروتی (1475-1564) - معمار اصلی اواخر رنسانس، که کار ساخت و ساز باشکوه را در پایتخت پاپ رهبری کرد. در ساختمان‌های او، اصل پلاستیک در تضادهای دینامیکی توده‌های به ظاهر شناور، در تکتونیک باشکوه بیان می‌شود که هنر باروک را پیش‌بینی می‌کند (کلیسای جامع سنت پیتر، پلکان Laurenziana).

• آندریا پالادیو (1508-1580) - بنیانگذار مرحله اول کلاسیک گرایی، معروف به پالادیانیسم. با در نظر گرفتن شرایط خاص، او بی‌پایان ترکیب‌های مختلفی از عناصر نظم را تغییر داد. طرفدار معماری نظم باز و انعطاف پذیر، که به عنوان یک ادامه هماهنگ عمل می کند محیططبیعی یا شهری (ویلاهای پالادین); در جمهوری ونیز کار می کرد.

لباس رنسانس

نمی توان در مورد نوع خاصی از لباس های این دوره صحبت کرد؛ فقط می توان روند توسعه فرم های لباس را ردیابی کرد، زیرا لباس خاصی در دوره رنسانس وجود نداشت. انتخاب لباس بر اساس کیف پول، مد، رتبه و حکم دولتی تعیین می شد.

لباس منعکس شد موقعیت اجتماعی، بیان خود فرد نیست. قرار بود مردم با توجه به موقعیت اجتماعی خود لباس بپوشند. قوانین محدودکننده حق خرید تجملات، که در قرون وسطی به تصویب رسید، در سراسر رنسانس تغییر کرد، از پوشیدن گران‌ترین پارچه‌ها توسط افراد طبقه پایین‌تر جلوگیری کرد؛ وضعیتی که در آن همبرگر شبیه یک کنت به نظر می‌رسید، غیرقابل قبول تلقی می‌شد. اگر یک پادشاه مانند یک دهقان به نظر برسد، اگر خطرناک نباشد، به همان اندازه پوچ خواهد بود.

رنگ مورد علاقه قرمز بود. زنان و مردان لباس‌ها و کمربندهای خود را با کمان و زنگ تزئین می‌کردند، بنابراین جای تعجب نیست که لباس آلمانی آن زمان که با زنگ آویزان شده بود، متعاقباً متعلق به شوخی‌ها شد. تمایل عمومی قابل توجهی در بین مردان و زنان وجود دارد که کمر خود را تا حد امکان نازک کنند. زنان سعی می کردند با کمک توری که لباس هایشان را مانند کرست سفت می کرد به ایده آل خود برسند.

بلیط 5

رنگ آمیزی

نیکلاس پوسین. "رقص به موسیقی زمان" (1636).

علاقه به هنر یونان و روم باستان در دوره رنسانس ظاهر شد که پس از گذشت قرن ها از قرون وسطی به اشکال، نقوش و موضوعات دوران باستان روی آورد. بزرگترین نظریه پرداز رنسانس، لئون باتیستا آلبرتی، در قرن پانزدهم. عقایدی را بیان کرد که اصول خاصی از کلاسیک گرایی را نشان می داد و به طور کامل در نقاشی دیواری رافائل "مدرسه آتن" تجلی یافت.

عتیقه- (از لاتین antiquus - باستان) - یک نوع هنری تاریخی. اصطلاح "باستان" برای اولین بار در میان نویسندگان اومانیست رنسانس ایتالیا برای تعیین کهن ترین فرهنگ شناخته شده در آن زمان، عمدتا روم باستان استفاده شد.

بناهای هنری یونان باستانآنها به سختی می دانستند، از شرق مدیترانه از اواخر قرن 15. تحت سلطه ترکیه بود. کشورهای اروپای شرقی، ماوراء قفقاز، خاورمیانه و روسیه از طریق بیزانس تحت تأثیر فرهنگ باستانی قرار گرفتند. در اواسط قرن 18. در ارتباط با جنبش نئوکلاسیک، کلمه "آنتیک" (آنتیک فرانسوی) به طور محکم وارد زبان فرانسوی شد که نشان دهنده نوع خاصی از هنر تاریخی است. در آن زمان، مفهوم هنر باستانی با مفهوم هنر کلاسیک بین المللی یکسان بود. بعدها شروع به تمایز هنر اولیه (باستانی)، کلاسیک و متاخر (هلنیستی) کردند. پس از آن در قرن های XIX-XX. فرهنگ های باستانی مصر و بین النهرین بهتر مورد مطالعه قرار گرفتند و اصطلاح "باستان" معنای جدیدی پیدا کرد. برای اروپایی ها، دستاوردهای یونانیان (کلمه " یونان"فقط در دوران روم ظاهر شد) - نوع خاصی از دوران باستان. اینجا مهد فرهنگ اروپایی است. زبان های یونانی و سپس لاتین، شعر، موسیقی، اساطیر، فلسفه، هندسه، معماری، مجسمه سازی اساس فرهنگ آینده پان-اروپایی و جهانی، تاریخ و جغرافیای آن شد.

در آن زمان دور، نمی توان چنین فتوحات روح انسانی را یافت که در قرن های بعدی با موفقیت ادامه نمی یافت. دوران باستان نیای ایده هایی بود که ما اکنون با آن زندگی می کنیم. این ایده ها علیرغم اینکه محتوای آنها از دیرباز به تاریخ تعلق دارد، قدیمی نیستند. بنابراین، ما بالاترین دستاوردهای فرهنگ باستان را کلاسیک می نامیم (از کلاسیک لاتین - درجه یک، نمونه). قابل توجه است که این تعریف توسط نویسنده رومی Aulus Gellius در قرن دوم به کار گرفته شد. n ه. از این رو جهت هنری - کلاسیک گرایی، بر دستاوردهای هنر یونان و روم باستان متمرکز شده است. جهانی بودن و کلاسیک بودن دوران باستان توجیهی برای اروپامداری سنتی در مطالعه تاریخ هنر است.

در توسعه تاریخی هنر باستان، مراحل زیر را می توان تقریباً تشخیص داد:

1. هنر پیش باستان(از پروتوس یونانی - اول)، یا هنر مینوی (به هنر کریتومایسنی مراجعه کنید)، سبک تصویری اصلی آن به تدریج در سه دوره توسعه یافت:

مینوی اولیه (3000-2200 قبل از میلاد)؛

مینوی میانه (2200-1600 قبل از میلاد)؛

مینوی پسین (1600-1100 قبل از میلاد).

2. مرحله شکل گیری سبک هندسی:

سبک اولیه هندسی قرن یازدهم. قبل از میلاد مسیح ه.

سبک هندسی قرن X-VIII. قبل از میلاد مسیح ه.

دوره سبک های پروتو-کورینتی، پروتو-آتیک و شرقی (حدود 750-680 قبل از میلاد)؛

سبک Daedalic (حدود 680-610 قبل از میلاد).

3. مرحله باستانی(حدود 610-480 قبل از میلاد).

4. دوران کلاسیک:

دوره "سبک سخت" (حدود 480-450 قبل از میلاد)؛

دوره کلاسیک عصر پریکلس (حدود 450-400 قبل از میلاد)؛

دوره کلاسیک متاخر (حدود 400-325 قبل از میلاد).

5. دوران هلنیستی:

هلنیسم اولیه (حدود 325-230 قبل از میلاد)؛ هلنیسم میانی مدارس رودیان، پرگاموم، اسکندریه (حدود 230-170 قبل از میلاد)؛

هلنیسم متأخر (کلاسیزم باستان، مکتب نو آتیک، حدود 170-30 قبل از میلاد).

6. هنر روم باستان:

دوره جمهوری (اواخر قرن 6 - 27 قبل از میلاد)؛

دوره کلاسیک گرایی آگوستایی (27 قبل از میلاد - 14 پس از میلاد)؛

دوره سلطنت ژولیو-کلودیان و فلاویان (14-96)؛

دوره اواخر امپراتوری روم (96-476)؛

دوره رنسانس گالینا (259-268).

ساخته شده در 420-407 قبل از میلاد. معبد از دو قسمت تشکیل شده بود که یکی از آنها به آتنا و دیگری به پوزئیدون اختصاص داشت. طبق افسانه، پوزیدون و آتنا برای محافظت از شهر با هم جنگیدند. پوزئیدون با سه گانه خود به صخره برخورد کرد و آب دریا در این مکان شروع به جاری شدن کرد. در جایی که آتنا با نیزه خود زد، درخت زیتون سر برآورد. آتنا در بحث پیروز شد و شهر به نام او نامگذاری شد
	بنای یادبود فیلوپاپوس بر روی تپه ای به همین نام در نزدیکی آکروپولیس واقع شده است. قهرمان این بنای تاریخی یک کنسول رومی بود که به آتن تبعید شد. او تلاش و هزینه زیادی را صرف توسعه شهر کرد که برای آن تصمیم گرفتند او را جاودانه کنند.

ماهیت هنر باستانی به سرعت توسعه یافت، موفقیت های یونانیان به طرز شگفت انگیزی سریع بود. اگر در مصر باستان برای چندین هزار سال ما شیوه زندگی و تفکر انسان را اساساً بدون تغییر مشاهده می کنیم، در یونان تنها حدود دو قرن از دوره باستانی و هنر هماهنگی کامل پلاستیکی که ما آن را کلاسیک می نامیم جدا می شود. دلایل متعددی برای توضیح این واقعیت می توان یافت. اصلی ترین آنها تنوع منابع قومی فرهنگ یونانی است. هنر باستان شامل سه سنت اصلی و بسیار متفاوت بود:

اولین- هنر عجیب و غریب ساکنان جزایر مدیترانه شرقی، مینوی باستان (به نام پادشاه افسانه ای مینوس) یا فرهنگ اژه، تجربه ساخت و ساز ساکنان جزیره. کرت، سبک زیبای نقاشی های دیواری و هنر سرامیکی که آنها ایجاد کردند، مجسمه سیکلاد. هنر اژه تأثیرات دوگانه ای را تجربه کرد: از یک سو، تأثیر هنر مصر و بین النهرین که خیلی زودتر توسعه یافته بود (این بسیار نزدیک به کرت است)، از سوی دیگر، هنر «پرتو هلن» قاره ای با مراکز. در تیرین و میکنه در پلوپونز.

دومینسنت قومی - هنر بدوی اما قدرتمند دوریان ها، قبایل آریایی که در قرن های 13-12 حمله کردند. قبل از میلاد مسیح ه. از شمال به پلوپونز (سبک دوریان، نظم دوریک).

سومجزء هنر یونی ها است. مانند آخایی ها، آنها ساکنان باستانی سرزمین اصلی یونان بودند که احتمالاً از شرق آمده بودند، اما تحت فشار دوریان ها به جزایر و سواحل آسیای صغیر رفتند (به سبک ایونی، نظم یونی مراجعه کنید). قبلاً در دوره باستانی، یونانیان دو جنبش هنری (به معنای دقیق کلمه، که هنوز به یکپارچگی سبک هنری دست نیافته بودند) توسعه دادند: دوریان خشن و مردانه و هنر نرم و زنانه ایونی ها، که تحت تأثیر فرهنگ مینوی و آسیای صغیر توسعه یافت. دوگانگی فرهنگ دوریک و یونی برای مدت طولانی در یونان تداوم داشت و در تاریخ آن، به ویژه در تاریخ و نظریه هنر یونان باستان منعکس شد. جست‌وجوی قواعد محکم هنر، قوانین تغییرناپذیر زیبایی در سنت دوریک، و تمایل یونانیان به واقعیت زنده و وضوح حسی پشتوانه‌ای در سنت یونی یافت.

یکی دیگر از دلایل توسعه غیرمعمول فشرده هنر باستان، شرایط منحصر به فرد جغرافیایی است. سرزمین اصلی یونان مجموعه ای از دره ها است که توسط رشته کوه های کم ارتفاعی از هم جدا شده اند که هر کدام شرایط طبیعی و چشم اندازهای منحصر به فرد خود را دارند. این امر به حفظ مراکز هنری فردی و هنوز ضعیف از جنگ های نابودی و مهاجرت ویرانگر مردم کمک کرد که تمدن های باستانی مناطق استپی آسیا از آن آسیب دیدند. از سوی دیگر، یک شبه جزیره کوچک با خط ساحلی فرورفته، بسیاری از خلیج های راحت، بندرهای طبیعی و جزایر مجاور ارتباطات دریایی را برای قبایل ساکن در آن تسهیل می کرد. در روزهای روشن و آفتابی، ابتدا یکی یا آن جزیره در دید ناوگر قرار می گرفت و ساحل تقریباً هرگز از دید ناپدید نمی شد. به طور کلی، پلوپونز، همراه با جزایر دریای اژه، بین اروپا و آسیا، در چهارراه اصلی راه های تجاری که در آن زمان ظهور می کرد، قرار دارد.

آزادی نسبی، استقلال و در عین حال تبادل اطلاعات لازم فرصتی منحصر به فرد ایجاد کرد، انگیزه ای قوی برای توسعه. آب و هوای یونان نسبتاً معتدل است و طبیعت به اندازه کافی حاصلخیز است تا انرژی انسان به طور کامل در مبارزه برای هستی هدر نرود و نیرویی برای فعالیت فکری باقی بماند، اما نه آنقدر که هلنی را کاملاً از نیاز محروم کند. برای کار. در این معنا، عبارت رایج: "یونان همه چیز دارد" فقط تا حدی درست است. مورخ معروف A. Toynbee نوشته است که شرایط طبیعی آتیکا با آب و هوای گرم دارای زهد خاصی است. این یک منطقه کوهستانی و صخره ای است که برای کشاورزی و دامپروری کاملاً نامناسب است، بر خلاف مثلاً همسایه بوئوتیا (تصادفی نیست که بوئوتیان های مرفه در سنت باستانی مردمی احمق و تنبل محسوب می شدند). به گفته توینبی، به دلیل شرایط سخت بود که آتنی ها مجبور شدند از دامداری و کشاورزی به کشت زیتون روی آورند. فقط زیتون ها می توانستند روی سنگ های لخت زنده بمانند. اما شما از آنها راضی نخواهید شد و آتنی ها شروع به مبادله کردند روغن زیتونبرای غلات سکاها از طریق دریا در کوزه های سفالی حمل می شد که باعث تحریک سفالگری و دریانوردی می شد. برای مبادله به پول نیاز بود - یونانی ها ضرب سکه را آموختند و ناوگان باید از دزدان دریایی محافظت می شد و بنابراین شروع به جعل سلاح کردند. بنابراین، منابع طبیعی محدود با فعالیت خلاق انسان دوباره پر شد. همچنین، توینبی می نویسد که نبود چوب، استفاده از آن را مجبور کرد مواد و مصالح ساختمانیسنگ و این به جهان معجزه ای مانند پارتنون داد.

محققان دیگر به "ساختار صحیح و هماهنگ طبیعت یونانی" توجه می کنند که حس زیبایی شناسی ساکنان آن را برای قرن ها پرورش داده است. در واقع، هیچ چیز بیش از حد در چشم انداز یونان وجود ندارد، نه جنگل های انبوه، نه استپ های بی پایان و نه بیابان های وحشتناک. فرد احساس گمراهی و ضعف نمی کرد، همه چیز درست، سنجیده و واضح بود. یونان باستان در یونان احساس "در خانه" خود می کرد؛ او نیازی به غلبه بر طبیعت، تثبیت خود در آن، به دست آوردن فضای زندگی برای خود، برافراشتن دیوارهای عظیم، برج ها، اهرام نداشت. طبیعت خود ایده تناسب، هماهنگی کیهان - جهان و جهان خرد - انسان را پیشنهاد کرد. خود مفهوم فضا (به یونانی کیهان - نظم، ساختار، خوب) که بر خلاف هرج و مرج به دلیل یکپارچگی و نظم اجزای آن که در آن حاکم است زیباست، توسط فیلسوفان یونانی فیثاغورس، آناکسیماندر، امپدوکلس ابداع شد. سومین عامل مهم در توسعه فشرده هنر باستان، عقل گرایی قدرتمند تفکر هلنی است. هگل در "فلسفه تاریخ" خود خاطرنشان کرد که "روح یونانی به طور کلی عاری از خرافات است، زیرا معقول را به معنی تبدیل می کند." هر چیزی که در ابتدا باعث شگفتی می شود، نه به صورت عرفانی، بلکه منطقی تسلط پیدا می کند؛ قطعاً باید عقلانی توضیح داده شود. در میان یونانیان باستان، همه چیز، حتی بدیهی ترین، مشمول اثبات ریاضی بود. اگر سومری‌ها یا مصریان به آنچه بدیهی به نظر می‌رسید فکر نمی‌کردند، برای مثال برای یونانیان، اثبات برابری اشکال هندسی با قرار دادن آنها بر یکدیگر کاملاً قانع‌کننده نبود.

یک توجیه منطقی لازم بود. و به اصطلاح "مسئله دهلی" دو برابر کردن حجم یک محراب مکعبی یا "مربع کردن دایره" باید نه به صورت تجربی، بلکه به صورت ریاضی حل شود. این ویژگی تفکر هلنی Vl. سولوویف آن را هوشمندانه «ماتریالیسم مذهبی» نامید. آزمودن شهود با منطق، تفکر را از تقلید برده وار و پایبندی به قوانین رها کرد. این همچنین اصل اصلی زیبایی شناسی و هنر باستان را توضیح می دهد - اصل "فیزیکی بودن"بر اساس تعریف A. Losev، "بر اساس ایده عالی ترین زیبایی به عنوان یک بدن کامل، زنده و مادی ... زیباترین چیز بدن زنده و جاندار کیهان است که توسط یک سازماندهی شده است. نیروی غیرشخصی جهانی، اما توسط آن به شکلی بسیار تعمیم یافته سازماندهی شده است. زیباترین چیز کیهان آسمان پر ستاره ای است که می بینیم و زمین در مرکز آن آرام گرفته است، با تمام قوانین صحیح و ابدی موجود در کیهان، گردش ماده در طبیعت، و در عین حال گردش یکسان روح ها حتی افلاطون در عهد باستان از زیبایی معمولی‌ترین کیهان حسی فراتر نمی‌رفت و فقط لازم می‌دانست که آن را با ایده‌های ماورایی موجود توضیح دهد. بنابراین، خدایان هلنی ها دارای بدنی مشابه بدن انسان های فانی بودند، اما حتی زیباتر. بعدها این ویژگی جهان بینی انسان گرایی (به یونانی anthropomorphosis - انسان سازی) نامیده شد. ابتدا پروتاگوراس فیلسوف یونانی باستان در سفسطه معروف خود چنین فرمول بندی کرد: «انسان معیار همه چیز است: آن چیزی که وجود دارد، وجود دارد، آن چیزی که وجود ندارد، وجود ندارد.» و دو هزار سال بعد، شاعر روسی M. Voloshin در مورد هنر باستان نوشت:

همه چیز ملموس و نزدیک بود -

روح به گوشت فکر کرد و حجم را احساس کرد،

انگشت خاک رس را خرد کرد و ذهن زمین را اندازه گرفت...

جهان با اندازه انسان مطابقت داشت و انسان معیار همه چیز بود.

اندازه گیری، منظم بودن نیز یکی از ایده های اصلی هنر باستانی است. یونانیان باستان، به دلیل عقل گرایی و انضمام تفکر خود، در فرمول بندی دقیق در بلاغت و دیالکتیک، و در معماری و مجسمه سازی - وضوح طرح و خلوص فرم: خط، شبح، روابط توده ها و تناسبات دقیق، استاد بودند. یکی دیگر از ویژگی های تفکر یونانی با کلمه "eidos" (به یونانی eidos - ظاهر، ظاهر، زیبایی، دارایی، ایده، تفکر) تعریف می شود. این نمایانگر، قابلیت لمس و فیزیکی هنرهای زیبای باستانی است. هیچ یک از مردمان دیگر نتوانستند ایده های انتزاعی و مفاهیم انتزاعی را به این وضوح و به طور کامل در تصاویر بصری بصری بیان کنند. این امکان وجود دارد که اول از همه، این چنین تأثیر قوی و ماندگار هنر باستانی را در تاریخ سبک های هنری اروپایی توضیح دهد. یونانی ها وضوح و ویژگی فرم را با کلمه "تقارن" (به یونانی تقارن - تناسب) نشان می دادند و آن را گسترده تر از آنچه اکنون می بینیم، به عنوان کیفیت توافق، انسجام اجزا درک می کردند. بعدها مفهوم هارمونی (هرمونی یونانی - توافق) و روش دستیابی به آن - تعمق (لاتین ponderatio - وزن کردن، متعادل کردن قطعات) ظاهر شد. هنر هلنی، به میزان بسیار بیشتری از، به عنوان مثال، مصر، با شخصی سازی، عذاب - رقابت (آگونیا یونانی - مبارزه، رقابت) مشخص می شود. یونانیان با تمام جان، برده داری را که در میان مردمان شرقی رایج بود تحقیر می کردند و به آزادی شخصی خود، کرامت یک فرد متفکر افتخار می کردند. اما همراه با این، در رابطه با هنرهای زیبا با مشکلاتی مواجه شد. یک یونانی آزاد می‌توانست صمیمانه آفرینش مجسمه‌سازان و نقاشان معروف را تحسین کند که برای اولین بار در تاریخ جرأت کردند روی شاهکارهای خود (امضا) امضا کنند، اما اگر از خود او خواسته می‌شد که چکش، اسکنه یا قلم مو را بردارد، او این کار را انجام می‌داد. خشمگین باشید: یک شهروند آزاد نباید به کار بدنی مشغول شود، قرعه بردگان است. جنبه دیگری از زیبایی شناسی باستان نیز هنرهای زیبا را پایین تر از سایر انواع فعالیت قرار می دهد، زیرا از آن به عنوان "تقلید" - mimesis (به یونانی mimesis - تولید مثل، شباهت، نقش) تعبیر می شد. بر اساس فلسفه افلاطون، هیچ یک از هنرمندان ایده (ایدوس) نمی آفرینند، بلکه فقط «ظاهر چیزها» هستند، که خود بازتابی از ایده هستند و بنابراین نقاش یا مجسمه ساز مقلد مقلدان، خالق ارواح است. و هنرهای زیبا «آغازش با پایه است، به راحتی بازتولید می شود و بر معقول چیره می شود». چنین نگرش منفی نسبت به تقلید (که به تدریج در توسعه تفکر فلسفی باستان غلبه شد) اول از همه با این واقعیت توضیح داده می شود که خلاقیت هنری هنوز به یک نوع مستقل از فعالیت انسانی تبدیل نشده است. خلاقیت مطلق فقط در یک کیهان کامل و زیبا وجود داشت. زیبایی بزرگتر قابل تصور نیست، بنابراین انسان فقط مقلد است. هنر به عنوان یک کل به معنای گسترده تر درک شد و با کلمه techne - مهارت، هنر، مهارت مشخص شد. هنر شامل ریاضیات، پزشکی، ساختمان سازی و بافندگی بود. اندکی بعد، تنها دو نوع هنر پدیدار شد: بیانگر و سازنده. هنرهای بیانی شامل رقص، موسیقی و شعر بود. به سازنده - معماری، مجسمه سازی، نقاشی. هنرهای بیانی با مفهوم کاتارسیس (یونانی کاتارسیس - پاکسازی) - رهایی عاطفی، "پاکسازی روح" از نفسانیات و جسمانی همراه بود. بعدها، در آغاز قرن بیستم، ف. نیچه این هنر را «دیونیزیایی» نامید، زیرا این هنر از کیش عرفانی باستانی دیونوسوس رشد کرد. بر این اساس، دیگری "آپولو مانند" است. با این حال، خدای نور خورشید آپولو و موسی ها به رهبری او (دختر زئوس و الهه حافظه منموسین) در ابتدا از موسیقی، رقص، شعر، تاریخ، نجوم، کمدی و تراژدی حمایت کردند. معماری و مجسمه سازی، همراه با کار بدنی مطرود، پست و «مکانیکی» تلقی می شدند. آتنا و هفائستوس از آنها حمایت می کردند. فقط بعدها، در عصر کلاسیک گرایی و آکادمیک، آپولو به نمادی از هماهنگی و زیبایی و تجسم "هنرهای زیبا" تبدیل شد: معماری، نقاشی، مجسمه سازی. ایده عقلانیت و سنجش هنر باستانی به وضوح در معماری تجلی یافت. تقارن و تعادل فرم ها - در مجسمه سازی. هر دو با انسان‌سازی متحد شدند، که خود را به عنوان تصویر (تقلید) بدن انسان با الهام از کیهان نشان داد. به همین دلیل است که معماری یونان مجسمه سازی (تصویری) و مجسمه سازی معماری است. بسیار قابل توجه است که یونانیان باستان هنر معماری را در آن ایجاد نکرده اند معنای مدرناین کلمه - به عنوان یک تفسیر هنری از فضا. به زبان یونانی و زبان های لاتینهیچ کلمه ای برای بیان مفهوم "فضا" وجود ندارد. "topos" یونانی یا "locus" لاتین به معنای "مکان"، "منطقه خاص" و "spatium" لاتین به معنای "سطح بدن، فاصله روی آن بین دو نقطه و همچنین: زمین، خاک است. به معنای کاملا مادی فیثاغورثی ها به ویژه مفهوم "کواترنری" ("Tetrahton") - وحدت نقطه، خط، سطح و حجم را که نماد اصل "فیزیکی" (Somato یونانی) است، احترام می گذاشتند.

هنر باستان مفهوم «بسط» را به معنای غیر مادی و انتزاعی توسعه نداد. بنابراین، یونانیان، حتی در معماری خود، بیشتر مجسمه ساز هستند؛ تفکر آنها با درک لمسی از فرم مشخص می شود. در این راستا، افسانه باستانی در مورد منشأ هنر از خط، طرح کلی - درک "متحرک" فرم (افسانه بوتادا) نشان دهنده است. اگر از هماهنگی ایده آل هنر یونانی و "دید مطلق" یونانی ها صحبت کنیم، باید این محدودیت، یعنی درک فرم و حجم خارج از فضا و زمان را به خاطر بسپاریم. حتی ترکیب پویا و زیبای آکروپولیس آتن - بالاترین دستاورد هنر یونانی - نه بر اساس یک سازمان کل نگر از فضا، بلکه بر اساس تناوب نقاشی های فردی، نقطه نظرات ثابت، پیش بینی های بصری بر روی "صفحه تصویر" ساخته شده است. این یک روش معمولاً مجسمه‌سازی و لمسی است. این همچنین این واقعیت را توضیح می دهد که مفهوم مقیاس برای سازندگان یونانی ناشناخته بود. برخلاف عرفای مصری که از اعداد غیرمنطقی و تکنیک های تناسب پیچیده استفاده می کردند، یونانیان روش خود را به نسبت های ساده مضرب که در اعداد کامل بیان می شد محدود کردند. تنها در قرون وسطی، ایده‌آل باستانی کثرت دوباره جای خود را به یک سیستم مثلث‌سازی غیرمنطقی داد. O. Choisy در مورد فقدان مقیاس معماری یونان باستان نوشت: «هندسه به طور جدانشدنی با معماری یونانی همراه بود... با در نظر گرفتن مشکل از دیدگاه صرفاً سودمندی، به نظر می رسد که ارتفاع در باید منحصراً با ارتفاع تعیین شود. رشد انسان و ارتفاع پله ها باید با پله شخصی که باید به سمتش بالا برود همخوانی داشته باشد... اما یونانی ها... ابعاد همه عناصر ساختمان را تابع کانون مدولار می کنند. بنابراین مثلاً با دو برابر شدن ابعاد نما، ارتفاع درها و ارتفاع پله ها را به طور همزمان دو برابر می کنند. هر گونه ارتباط بین هدف قطعات ساختاری و اندازه آنها ناپدید می شود: چیزی باقی نمانده است که بتواند به عنوان مقیاس ساختمان عمل کند... در معماری معابد، یونانی ها منحصراً ریتم را تشخیص می دهند. آثار معماری آنها حداقل به دوره گذشته بازمی‌گردد، نوعی ایده انتزاعی را نشان می‌دهد... آنها هیچ ایده‌ای درباره ارزش‌های مطلق را برمی‌انگیزند، بلکه فقط حس روابط و تأثیر هماهنگی را برمی‌انگیزند.» "تقارن" (هماهنگی) چنین معماری در شباهت بصری فرم ها بیان شد: روابط اضلاع نما به دقت در تقسیمات و جزئیات آن تکرار شد. ما می توانیم معماری یونان باستان را عمدتاً از روی ویرانه های معابد قضاوت کنیم. معبد یونان باستان - آفرینش اولیه نابغه هلنی - اساساً متناقض است. این از یک ساختمان مسکونی برخاسته است - مگارون دوران کرت-میکنایی به عنوان "مسکن خدا". کلمه یونانی ناوس به معنای معبد و مسکن است. مجسمه خدا نیاز به خانه داشت و برعکس، «خانه خدا» باید با حضور او تقدیس شود. اما معماری معبد باستانی اصلاً فضای داخلی را درک نمی کرد. دیوارهای عظیم، به طور معمول، بدون پنجره بودند. گاهی اوقات سوراخ های کوچکی در سقف وجود دارد. فقط در اوایل صبح، از درهای باز معبد، رو به شرق، پرتوهای طلوع خورشید به داخل نفوذ کرد و مجسمه عظیمی را روشن کرد که اندازه آن با فضای داخلی مطابقت نداشت. اگر معابد مصر باستان برای یک راهپیمایی آیینی اقتباس شده بودند، پس در یونان همه چیز در بیرون، مقابل معبد، جایی که محراب، محراب، نصب شده بود، اتفاق می افتاد. فقط کشیشان می توانستند وارد محراب شوند، و حتی پس از آن تحت شرایط سخت زمان مشخص. ستون های معروف یونانی "شفاف" نیز فضایی نیستند. در ساختار چوبی اولیه یک ساختمان مسکونی، اینها فقط ستون هایی بودند که از پسوند سقف حمایت می کردند تا از دیوارهای آجری گلی در برابر عناصر محافظت کنند. دیوار همیشه به عنوان سازه باربر باقی مانده است، بنابراین، حتی در شکل توسعه یافته خود، ستون عتیقه فقط یک تزئین است، به زیبایی قاب بندی منظره ای است که به روی مردمی می گشاید که از پرتوهای نور به زیر سایه رواق ها پناه برده اند. آفتاب سوزان انواع متفاوت ستون‌ها نام انواع معابد را دادند که طراحی آنها اساساً بدون تغییر است. در همان زمان، یونانیان باستان موفق شدند تصویر هنری جدیدی از ستون ایجاد کنند. بر خلاف ساختارهای عظیم شرق - زیگورات ها، اهرام، و همچنین جنگل پیوسته از تکیه گاه های پاپیروس شکل معابد چند ستونی مصری، ستون یونانی آزادانه ایستاده است. این جایی است که تکتونیکی آن از آنجا می آید (از تکتونیک یونانی - ساختار) - تقسیم بصری تکیه گاه به صورت عمودی به قسمت های جداگانه. این یک ایده صرفاً انسان‌سازی هلنی است. چنین ستونی نه واقعاً (از لحاظ ساختاری)، بلکه از نظر بصری (به صورت تصویری) بیانگر عمل نیروهای ساختار ساختمان است که با قدرت یک فرد مستقل همراه است. به همین دلیل است که در هنر باستان ظهور تکیه گاه ها به شکل پیکره های انسانی - اطلس ها و کاریاتیدها - کاملاً طبیعی به نظر می رسد. فقط یونانیان باستان موفق شدند به تدریج تصویر یک زن - یک کاریتید را ایجاد کنند که به سادگی و به طور طبیعی وارد ساختار معماری شده و آن را متحرک می کند. تمام تجسم های بعدی این موضوع تضاد بین فرم و عملکرد، احساس ناسازگاری بین پشتیبانی شکننده و پلاستیکی و سنگینی سقف را تداعی می کند. الگوی تکه تکه شدن و اتصال قطعات باربر (ستون) و تکیه گاه (نوار: آرشترو، فریز، قرنیز) در معماری باستان به لحاظ نظری در قرن اول اثبات شد. n ه. معمار روم باستان مارکوس ویترویوس پولیو. او در رساله خود "درباره معماری" آن را کلمه "ordo" (لاتین ordo - نظم، ساختار، رجوع به نظم) نامید. ویتروویوس سه گانه معروف ("سه گانه ویتروویوس") را نیز فرموله کرد: قدرت، سودمندی، زیبایی (firmitas، utilitas، venustas). تئوری نظم در دوران رنسانس ایتالیا توسط G. B. da Vignola قدیس شد، این نظریه توسط S. Serlio، A. Palladio، F. Delorme توسعه یافت. از نظر تاریخی، دو راسته در یونان توسعه یافتند: دوریک و یونی، و همچنین کورنتی به عنوان انواع یونی. ویگنولا با استفاده از نمونه‌های ایتالیایی و رومی (با پایه‌ها) به عنوان پایه، نسبت‌های پنج مرتبه را قدیس کرد: توسکانی، دوریک، یونی، کورینتی و کامپوزیت (مختلط). نظام او اساس سنت دانشگاهی بود. با این حال، یونانیان باستان، آزادانه نظم‌های مختلف را با هم ترکیب می‌کردند (بدون اینکه هنوز این مفهوم را توسعه دهند) و روابط خود را تغییر دادند. همچنین سیر تکاملی از نظم قدرتمند دوریک به یونی (زیباتر، اما دارای نقص در یک طرفه بودن پایتخت یونی) و سپس به قرنتی است که پایتخت باشکوه آن تزئینی ترین و راحت ترین است. از همه طرف یکسان به نظر می رسد و یک انتقال صاف و پلاستیکی از تکیه گاه های عمودی به کف افقی ایجاد می کند. پایتخت کورینتی پویاترین و در عین حال مخرب ترین است. ظاهر آن به خوبی گرایش تبدیل مداوم یک سازه ساختمان را به یک تصویر نشان می دهد: کشش، کشش، فشرده سازی، اتصال، پایه، تکمیل (کمور، انتاسیس). برای اولین بار در تاریخ هنر، معماری باستان به نمونه ای از بازاندیشی فیگوراتیو در طراحی و سودمندی تبدیل شد که بعدها مشخص شد که شرط اصلی توسعه سبک های هنری اروپایی است. همه عناصر معماری باستانی سازنده یا تزئینی نیستند، همانطور که قبلاً در ساختمان های بین النهرین و مصر، آنها یک تروپوس هنری هستند (تروپوس یونانی - گردش، انتقال معنا). قابل توجه است که این اصطلاح توسط فیلسوف یونان باستان ارسطو وارد زیبایی شناسی شد. تکتونیکی بودن، وضوح و تقسیم فرم به عناصر بصری "کار" و "استراحت" توسط رنگ، رنگ‌آمیزی روشن، متمرکز در قسمت بالای ساختمان تأکید شد. ستون‌ها و آرشیتروها معمولاً نقاشی نمی‌شدند، اما سرستون‌ها و دیوارها با رنگ‌های آبی، قرمز، سبز، سیاه و تذهیب نقاشی می‌شدند. در نظم دوریک، تریگلیف‌های آبی در کنار متوپ‌های قرمز برجسته بود؛ در نظم یونی، نقش برجسته‌های طلاکاری شده در پس زمینه آبی تیره دیوار برجسته بود. عناصر افقی، به عنوان مثال، صفحات پایینی قرنیزها - آبفشان، و همچنین حفره ها - شیارهای روی تنه ستون در زیر پایتخت، با رنگ قرمز برجسته شده اند. ارسطو در مورد حالت‌ها یا حالت‌های مختلف (به یونانی modios، لاتین modus - اندازه‌گیری، اندازه، تدبیر) نوشت: «دوریان سخت‌گیر، لیدیایی غم‌انگیز، ایونی شاد، فریجیایی طوفانی و بادی ملایم». او این مفاهیم را به موسیقی و رقص نسبت داد، اما در معماری و مجسمه سازی به وضوح مشخص می شود. تناسب ستون‌ها و شکل سرستون‌های معماری دوریان، شخصیتی قدرتمند و قوی را بیان می‌کند، در حالی که معماری ایونی بیانگر شخصیتی نرم و ظریف است. به گفته ویتروویوس، "یونانیان در نظم دوریک تناسب، قدرت و زیبایی بدن مرد را می دیدند، در نظم یونی برازندگی یک زن را می دیدند، و ستون کورینتی به تقلید از لاغری یک دختر ایجاد می شد." در ترکیب معابد یونان باستان، معماری به طور ارگانیک با مجسمه سازی در ارتباط است. اختراع دوریان ها گروه های مجسمه سازی پدینت بودند که به طور طبیعی از نیاز به پر کردن فضای "خالی" در انتهای سقف شیروانی (تمپانوم) ناشی می شد. علاوه بر این، توسعه سبکی، به معنای رسمی، از یک نقش برجسته کم و تقریبا خطی به یک مجسمه گرد، و به طور معنی‌داری - از تبعیت کامل مجسمه‌سازی باستانی به چارچوب معماری، از طریق «اخلاق» (یونانی. اخلاق - هنجار) هنر کلاسیک "عصر پریکلس" (نیمه دوم قرن 5 قبل از میلاد) تا "پاتوس" (پاتوس یونانی - احساس، اشتیاق) کلاسیک های متاخر و هلنیسم، زمانی که مجسمه سازی "از کنترل خارج شد" معماری مرزها جالب است که هنر نقش برجسته یا در دوران باستان یا در دوره نسبتاً متأخر توسعه شدیدی یافته است و چهره های مستقل و «گرد» مشخصه «سبک عالی» دوره کلاسیک است. اما اصل جلوه، یکپارچگی بصری پیش زمینه، بدون تغییر باقی می ماند. شبح مسطح پر از حجم بود و مجسمه‌های ترکیب‌بندی پدیمن به طور ارگانیک نه با واقعیت، بلکه با عمق بصری فضای تصویری مرتبط بودند. لحظه ای که هر دو گرایش با یکدیگر ادغام می شوند، مرز بین دوران باستانی و کلاسیک هنر یونان را مشخص می کند." xoan های یونانی اولیه (یونانی xoanon - "ترک شده") - بت هایی شبیه به تنه درخت، بسیار ابتدایی تر از قدیمی ترین بت های مصری هستند. اما در اواسط قرن ششم. قبل از میلاد مسیح ه. در مجسمه نایک توسط Arherm، حرکت سریع و یک "لبخند باستانی" مشخص ظاهر شد. در کاوش های انجام شده در آکروپولیس آتندر سال 1886، در لایه ای از قلوه سنگ از معابد قدیمی که توسط ایرانیان در 480 قبل از میلاد ویران شد. قبل از میلاد، مجسمه‌های باستانی کشف شدند: کوره (به یونانی کور - دختر) و آپولوس - پیکره‌های مردی که ورزشکاران را به تصویر می‌کشند، در ابتدا تصاویری از خدای آپولو در نظر گرفته می‌شدند. اعتقاد بر این است که این نوع چهره ها در کرت ایجاد شده اند. 600 قبل از میلاد ه. اما یونانیان فاقد تفکر تاریخی بودند. هنگامی که ایرانیان آکروپولیس را ویران کردند و سوزاندند، آتنی ها که تصمیم به بازسازی آن گرفتند، هر آنچه را که باقی مانده بود، از جمله مجسمه های دست نخورده و دست نخورده "کور" و "آپولو" را به زمین انداختند. ظاهراً آنها از درک آنها به عنوان آثار هنری منصرف شدند ، اگرچه اهمیت مذهبی داشتند. آنها به عنوان سنگ های ساده در پایه دیوارهای آکروپولیس جدید حفظ شدند. یونانیان زمان را به صورت بسته و چرخه‌ای می‌اندیشیدند و آن را بر اساس المپیک حساب می‌کردند (اولین بازی‌های المپیا در سال‌های 776-773 قبل از میلاد برگزار شد و سپس هر چهار سال یک بار برگزار شد). طول عمر افراد برجسته، از جمله هنرمندان ، نه با سالهای تولد و مرگ ، بلکه با "آکم" آنها - اوج یک مرد بالغ در سن حدود 40 سالگی - محاسبه شدند. این در توسعه هنر نیز منعکس شد: تکامل سبک سریع بود، اما کیفیت های اساسی بدون تغییر باقی ماندند. اولین ترکیب‌های مجسمه‌سازی پدینت‌ها معبد آتنا آفایا در اگینا(مکتب آگینا)، غربی (512-500) و شرقی (480-470 قبل از میلاد)، که اکنون در Glyptotek مونیخ ذخیره شده است، به وضوح نشان می دهد که چگونه چهره هایی که نبرد یونانیان با تروجان ها را به تصویر می کشند، آزادی حرکت هر چه بیشتر به دست می آورند و از دست دادن ارتباط با تکتونیک - ستون رواق. فقط پانزده سال بعد، در سنگفرش معبد زئوس در المپیا (470-456 قبل از میلاد)، این آزادی بیشتر به چشم می خورد. با انواع چرخش ها و حرکات فیگورها در عمق تکمیل می شود. با این حال، برجسته ترین نقاط مجسمه های منفرد به طور نامرئی توسط صفحه جلوی پیش زمینه، به موازات تمپانوم پدینت به هم متصل می شوند و این یکپارچگی بصری و "موتوری" (لمسی) ویژه ای را به ترکیب معماری و مجسمه می بخشد. این جلوه ویژگی‌های متفاوتی دارد، اما در تمام مجسمه‌های یونانی، چه باستانی و چه کلاسیک، ذاتی است. علاوه بر این، اصل جلوه‌گرایی، که بیشترین یکپارچگی بصری و انسجام را با معماری تضمین می‌کند، متعاقباً به اصل اصلی شکل‌دهنده هنرهای زیبای کلاسیک در همه انواع و ژانرهای آن تبدیل شد. مبانی آکادمیک گرایی اروپایی آینده نیز با هنر باستانی مرتبط است. بر اساس سبک هندسی دوره باستانی، یونانیان ایده آلی انتزاعی از "فیزیکی بودن" و "لمسی بودن" فرم را توسعه دادند. ب. فارماکوفسکی، کارشناس هنر باستان، خاطرنشان کرد که «هنر یونان همیشه، تا حدی، هنر هندسی است... مجسمه سازی کلاسیک عتیقه بالاترین مرحله توسعه سبک هندسی است که از دوران باستان برای یونانیان ذاتی است.

هنر یونانی از یک سبک هندسی رشد کرد و در ذات خود این سبک هرگز تغییر نکرده است. هندسه مجسمه سازی، بر اساس محاسبه دقیق و مدولار بودن در روابط کمیت ها، تجسم هنجاری را در «کانون» معروف، اثری نظری توسط مجسمه ساز پولیکلتوس از آرگوس، نوشته شده در ج. 432 قبل از میلاد e.، اما تا به امروز زنده نمانده است. طبق قانون Polykleitos، در یک شکل با تناسب ایده آل، اندازه سر یک هشتم ارتفاع است، تمام ارتفاع شکل بر اساس نقاط تشریحی اصلی به دو، چهار و هشت قسمت مساوی تقسیم می شود (تقسیم متریک). و نیم تنه همراه با سر نیز به لگن و ساق اطلاق می شود، مانند پاها به بالاتنه یا قسمت شانه بازو تا ساعد و دست (روابط موزون). بنابراین، این شکل در تمام روابط خود به سه، پنج، هشت بخش تقسیم می‌شود که با اصل «بخش طلایی» مورد مطالعه فیثاغورث و شاگردانش سازگار است، اما به عنوان یک باور هنری تنها در رنسانس ایتالیا با تلاش‌ها فرموله شده است. لئوناردو داوینچی و ال پاچیولی. Polykleitos ایده آل خود را در مجسمه های Doryphoros (حدود 440 قبل از میلاد) و Diadumen (حدود 430 قبل از میلاد) مجسم کرد که در تکرارهای بعدی به ما رسیده است. مجسمه های عتیقه مربوط به دوره کلاسیک ایده آل هستند. اغلب نوشته شده است که وقتی مردم احساس می کردند که خدایانشان در کنارشان هستند، آن حالت شاد ذهنی را منعکس می کنند. به هر حال، این ایده آلیسم خود را در هندسه ای همه جانبه نشان داد. هندسه به ویژه در تفسیر جزئیات قابل توجه است: سر، بازو، پاهای مجسمه های باستانی. صورت آنها کاملاً متقارن است. شکل مدل مو هندسی است، قسمت جلویی، صرف نظر از شخصیت و نوع قهرمان، از نظر ارتفاع به سه قسمت مساوی تقسیم می شود، برش دهان دقیقاً در فاصله بین بال های بینی و قسمت داخلی قرار می گیرد. گوشه چشم اشکال ماهیچه های سینه ای، مایل و شکم به همان اندازه هندسی هستند - با یک "براکت یونانی" مشخصه، شکل مفاصل زانو و آرنج و انگشتان دست و پا همیشه به همان روش درمان می شوند. در این نوع هندسه است که باید به دنبال علت غیرقابل تحمل بودن چهره های باستانی بود، حتی اگر فردی را در حال حرکت، در حالت استرس جسمی یا روحی به تصویر بکشد. در چنین مواردی، فقط فیلمنامه، وضعیت آن، اما نه تنش عضلانی یا حالت چهره، از تلاش فیگور می گوید. اگر قطعه ای از بازتولید مجسمه معروف مایرون را برداریم. پرتاب کننده دیسک "، با به تصویر کشیدن سر یک ورزشکار، حدس زدن اینکه بخشی از شکلی است که آمادگی برای حرکت سریع را نشان می دهد دشوار خواهد بود - صورت بسیار غیرقابل تحمل و ایستا است، همانطور که در واقع همه ماهیچه ها هستند. مشخص است که در دوران باستان هنر مجسمه سازی به مضامین و ژانرها تقسیم نمی شد، بلکه شامل دو "نوع" جداگانه بود که در آن "مجسمه سازان برنز" و "مجسمه سازان مرمر" کاملاً مستقل از یکدیگر کار می کردند. تئودور و رویک، استادان نیمه اول قرن ششم، مخترعان ریخته‌گری برنز توخالی مجسمه‌ها هستند. قبل از میلاد مسیح ه. با o. ساموس. مجسمه های مرمری بعداً ابتدا به شکل پیکرهای آکرولیتی (از یونانی آکروس - رویه و لیتوس - سنگ) ظاهر شدند که قاب آن از چوب ساخته شده بود و با پارچه پوشانده شده بود و قسمت های باز و "بالا" - سر و دست - از سنگ مرمر ساخته شده بود. بنیانگذاران این نوع هنر را دیپوین و اسکیلید از اساتید مکتب سیکیون در قرن ششم می دانند. قبل از میلاد مسیح e.، در اصل از حدود. کرت یکی دیگر از اختراعات یونانی مجسمه های کریزوفانتین (از یونانی chrysos - طلا و elephantos - فیل) بود که پیکره های آنها از چوب با اندود طلا، صورت و دست ها از عاج ساخته شده بود. نمونه های اولیه قبلاً در خاورمیانه شناخته شده بودند، اما شاهکارهای این شکل از هنر - مجسمه الهه آتنا برای پارتنون و زئوس برای معبد المپیا (هر دو باقی نمانده اند) - توسط فیدیاس، استاد برجسته ساخته شده است. ، یکی از سازندگان آکروپولیس آتن (عصر پریکلس). ترکیب معماری تحت تسلط مجسمه‌های مرمری (معمولاً روی پس‌زمینه‌های رنگارنگ و روشن) بود، بناهای یادبود مستقل - مجسمه‌های قهرمانان، خدایان و ورزشکاران از برنز ریخته‌شده بودند. حتی بعدها، در میان رومی ها، کلمه "statuaris" به معنای "ریختن پیکره ها از فلز" بود. بالاترین دستاوردها در هنر مجسمه سازی دوران کلاسیک یونان توسط دو استاد بسیار متفاوت مشخص شده است: Polykleitos و Phidias. اولی منحصراً در برنز کار می کرد ، دومی - در مواد مختلف. ارسطو پولیکلیتوس را «پلاستیک» و فیدیاس او را «مجسمه‌ساز خردمند» می‌نامد. این تفاوت برای درک دو روش شکل‌دهی مهم است: پلاستیک (شکل‌دهی مرتبط با مدل‌سازی و ریخته‌گری) و مجسمه‌سازی (تفریق اشکال). اگر Polykleitos موضوع رسمی contrapposto را توسعه داد - تعادل پویا، حرکت پلاستیک در حالت استراحت فیزیکی، آنگاه فیدیاس به دنبال آرامش در حرکت فیزیکی بود. Polykleitos مجسمه های خود را با خطوط مارپیچ پوشانده است، Phidias آنها را در خطوط عمودی محصور کرده است، که به آنها یادگاری واقعی می بخشد. Polykleitos بدن ایده آل مرد یک ورزشکار را به تصویر کشید و تنها یک بار، در مجسمه آمازون زخمی، یک زن، اما به همان اندازه مردانه. چین های کیتون بر روی بدن ورزشی جنگجو در اثر پولیکلیتوس زینتی معماری به نظر می رسد. فیدیاس زیباتر به مجسمه نزدیک شد، نواحی متناوب بدن برهنه درخشان با رنگ سفید همراه با بازی نور و سایه چین های روپوش و بافت مدل مو، که از دور احساس نقاط تیره را ایجاد می کرد. فیدیاس توانست به آزادی نسبی در پلاستیسیته بدن و حرکات پارچه‌های پارچه‌ای دست یابد، اما در عین حال در مرزهای جلویی باقی ماند و همیشه از تکنیک‌های قاب‌بندی تکتونیکی استفاده کرد. بدین ترتیب، به طرق مختلف، آرمان کلاسیک هنر یونان باستان شکل گرفت، اما علیرغم راه های مختلفشکل‌دهی، تکنیک‌ها و مواد، آداب فردی استادان، این ایده‌آل روش و سبکی است که یک کل غیرقابل تقسیم را تشکیل می‌دهد. محتوای آن در مجسمه بدون ابهام است: مجسمه ای چنان عاری از ویژگی های فردی است که باور ناخواسته به وجود می آید: به تصویر کشیدن احساسات فقط می تواند زیبایی فرم ایده آل را خراب کند و نقض کند. فردی شدن تصاویر، مانند هنر پرتره به طور کلی، با کلاسیک های باستانی بیگانه بود. تنها استثناء دوره هلنیستی و رومی است. ما خدایان و قهرمانان باستانی را که چهره‌ها و چهره‌هایشان کاملاً غیر فردی و شبیه به یکدیگر هستند، تنها با ویژگی‌هایشان تشخیص می‌دهیم. شاید به همین دلیل، قطعات به شدت آسیب دیده مجسمه یونانی، با سر و دست های گم شده - "عتیقه جات" - هماهنگی را حفظ می کنند. و تمام تلاش ها برای بازسازی و افزودن ها، بیش از یک بار انجام شده، ناموفق بود. و سخت است که فکر نکنید این قهرمانان و خدایان به اسلحه و سر نیاز ندارند و با آنها حتی بدتر به نظر می رسند. ایده آلیسم هنر یونانی نه در پرتره، بلکه در تکتونیک بدن برهنه و شکل پذیری پارچه ها به بهترین شکل بیان می شود. کاملاً قابل توجه است که در مجسمه های کاملاً حفظ شده، سرها مهمترین قسمت پیکره ها نیستند، بلکه دقیقاً مانند دست ها، ران ها و پاها با آنها رفتار می شود. اینها چهره نیستند - بلکه نقاب های یخ زده ای هستند که به دلیل هندسه آنها نه تنها ویژگی های قومی و روانی ندارند، بلکه حتی نشانه هایی از جنسیت هم ندارند. این منجر به چیزهای خنده داری شد. یکی از متخصصان دوران باستان، I. Winkelmann، مجسمه آپولون با سیتارا را تصویری از الهه موز و تکرار رومی سر آتنا بر اساس اثر اصلی فیدیاس می داند. برای مدت طولانی به نام "سر فرمانده" معروف "سر پریکلس" کرسیلوس یک هرم (هرما - ستون یونانی) است و نه یک پرتره و از روی آن نمی توان گفت که این شخص در زندگی چگونه به نظر می رسید. تصادفی نیست که با یک کتیبه توضیحی تکمیل شده است. مجسمه های مرمر با رنگ های مومی برای تقلید از رنگ بدن نقاشی می شدند. این تکنیک ganosis (به یونانی ganoseos - درخشش، پرداخت) نامیده شد. مجسمه های برنزی با: چشم - شیشه و سنگ های نیمه قیمتی منبت کاری شده بودند. لب، مو - مس و طلا. در همه اینها، مانند چند رنگ درخشان معماری، می توان تأثیر شرق را احساس کرد که هنر هلنی از آن بیرون آمد و در تماس دائمی با آن وجود داشت (سبک شرقی). مجسمه سازی باستانی در جهت زیبایی و طبیعت گرایی توسعه یافت. درست است، قضاوت در مورد این الگو بسیار دشوار است، زیرا به جز قطعات "نقش برجسته فیدیا" از پارتنون و تکه های جداگانه، تقریباً چیزی از کلاسیک های اصلی یونان باقی نمانده است. تنها چیزی که ما داریم تکرارها یا تکرارهای بعدی توسط استادان مکاتب نئوآتیک و رومی است. اینها حتی کپی نیستند، آنها در جزئیات متفاوت هستند و نمی توان گفت که چقدر یکی از آنها به اصل نزدیک است. مجسمه‌های برنزی معروف دوران باستان در سنگ مرمر تکرار می‌شدند، که به طور غیرمستقیم توسط تکیه‌گاه‌های اضافه شده برای قسمت‌های بیرون زده، غیرضروری در ریخته‌گری برنز نشان می‌دهد. تنها چیزی که از مجسمه‌های مرمر یونان باستان باقی مانده است، پایه‌هایی است که گاهی اوقات با پاهای شکسته همراه است. اما در پایه ها، کتیبه های تقدیمی و نام مجسمه سازان حفظ شده است - امضاها (امضاها) که بر اساس آن کارشناسان در تلاش برای بازسازی تاریخ مجسمه سازی یونان هستند. از دست دادن نسخه های اصلی نقش مرگباری در ایده های ما در مورد هنر باستان ایفا کرد. تیله‌های موزه، این پیکره‌های سفید برفی با چشم‌های «خالی» بدون مردمک (که زمانی با رنگ نقاشی می‌شدند) سرد به نظر می‌رسند. این سردی بیرونی توسط سنت دانشگاهی تقویت شد. کلاسیک گرایان قرن های بعدی به دنبال این بودند که «یونانی تر از خود یونانیان» باشند. اما I. Winkelmann از صمیم قلب نوشت که "عتیقه" را باید با قدم زدن در اطراف آن با یک شمع در دست بازرسی کرد. و سپس، در پرتوهای مماسی نور، سنگ مرمر می درخشد، جان می گیرد، و ناگهان - یک رگ تپنده در خم مفصل آرنج چشمک می زند، در نور معمولی کاملاً نامرئی، و در گودی پوپلیتئال - یک رگ به سختی قابل توجه است! یونانیان باستان چگونه همه اینها را می دانستند؟ بالاخره آنها آناتومی را تجربی مطالعه نکردند. نسخه کلاسیک می گوید که آنها اغلب برهنه راه می رفتند و بنابراین هنرمندان می توانستند به طور مداوم بدن انسان را در حال حرکت مشاهده و مطالعه کنند. اما واقعیت ها این را تأیید نمی کنند؛ به دلیل گرد و غبار فراوان زیر آفتاب سوزان، زن و مرد از سر تا پا در هیمتیون و پپلو پیچیده بودند. ورزشکاران برهنه در سالن های بدنسازی تمرین می کردند و در بازی های المپیک اجرا می کردند و حتی در آن زمان نه همیشه. بنابراین، فرضیه "آناتومی مشاهده ای" مطرح شد. عتیقه، مانند تمام هنرهای باستانی و شرقی، ظاهراً بسیار رنگارنگ، ظریف، شاد و شهوانی بود. اغلب اهداف بسیار ساده‌اندیشی، توهم‌آمیز و شیطنت‌آمیز را دنبال می‌کرد. اینها "مدل های اروتیک" افسانه ای، فیگورهای متحرک ساخته شده از چوب هستند: "ونوس مکانیکوس". مجسمه‌های خدایان را با پارچه‌های گران‌قیمت می‌پوشیدند و با گل تزئین می‌کردند، به آنها غذا می‌دادند، با عود مسح می‌کردند و هدایایی برایشان می‌آوردند. در دوره هلنیستی نسبتاً متأخر، گرایش به طبیعت گرایی و غول پیکر به وضوح قابل مشاهده است. مجسمه‌های مقبره در هالیکارناسوس، از مدارس پرگامون یا رودیان، تمام هنجارهای کلاسیک را نقض می‌کنند. «گاو نر فارنزی»، «لائوکون با پسرانش»، «کشتی اودیسه» (به اندازه واقعی در سنگ مرمر)، کلوسوس رودس با ارتفاع 32 متر نمونه‌هایی از اختلاف، اختلاف بین محتوا و فرم، و بحران سبک روندهای مشابهی در توسعه انواع دیگر هنر باستانی مشهود است. مورخان خاطرنشان می کنند که تغییر از سبک دوریان به سبک ایونی در معماری باستان نشان دهنده یک موازی هنری با تغییرات اجتماعی است، گذار از دیکتاتوری اسپارت به هژمونی آتن دموکراتیک. اسپارتی ها تجسم روح دوری باستان هلاس بودند، آتنی ها بیشتر مستعد نفوذ یونی بودند. معماری نظم دوریک، با ستون‌های مخروطی قوی و سنگین، تریگلیف‌ها و متوپ‌ها، «فرم را با انرژی از هم می‌پاشد» و «سبک یونی به دنبال انتقال‌های نرم و ظرافت تزئینی است». در ستون یونی هرگونه احساس مقاومت در برابر گرانش ناپدید می شود. ستون ها در ردیف های منظم و بدون تلاش قابل مشاهده قرار می گیرند. چشم دیگر کار سازه را تشخیص نمی دهد. پیچ‌های سرستون‌های یونی، آرشیترو به سه پله تقسیم‌شده و روبان ممتد فریز زوفوریک با رنگ‌های روشن، احساس سبکی را ایجاد می‌کند. ترکیب در یک ترکیب، به عنوان مثال در پارتنون، از راسته های مختلف نیز مشخص است: یک ستون خارجی قدرتمند از نظم دوریک، یک فریز یونی و ستون های یونی در داخل. و در Erechtheion آکروپولیس آتن، تمایل به ساختن ستون تا حد امکان سبک و بی وزن به طور کلی منجر به جایگزینی آن با یک پیکره زن در رواق معروف کاریاتیدها شد. در Erechtheion، آتنی ها از سنگ مرمر چند رنگ استفاده می کردند و آن را با نقاشی و طلا تکمیل می کردند. مجسمه های سفید و نیمه طلاکاری شده در مقابل میدان آبی تیره پدینت ها خودنمایی می کردند. سرستون ها با جزئیات برنزی طلاکاری شده تکمیل می شدند. گاهی اوقات نقش برجسته های خط دیواری را با طرحی سیاه مشخص می کردند. این با تمایل به خنثی کردن سایه های تیز از نور روشن خورشید توضیح داده می شود و شکل چهره ها را مخدوش می کند. تکامل ترکیب پدیمان ها نیز قابل توجه است. در هر یک از دو سنگ بنای پارتنون آتن (438-432 قبل از میلاد) تعداد مجسمه ها به سی مجسمه افزایش یافت. شکل ها از نزدیک در دو ردیف قرار می گیرند. حرکات آنها در عمق، به صورت مورب به سمت صفحه جلو هدایت می شود. در عین حال، بخش‌های مرکزی ترکیب هر دو پدیمن مثلثی عاری از شکل است و تقارن در آنها با تعادل دینامیکی حاصل می‌شود. بخش هایی از برخی مجسمه ها بر فریم "آویزان" هستند - ژیسون های پدیمان. خدای هلیوس که بر روی ارابه خود که توسط چهار اسب کشیده شده از اقیانوس برمی خیزد، "در حال بیرون آمدن از قرنیز" نشان داده شده است - فقط سر اسب ها، سر و بازوهای دراز او قابل مشاهده است. اصل تکتونیکی در اینجا به وضوح با یک اصل زیبا جایگزین شده است. "ارتعاش تصویری" سطح در نقش برجسته های دیواره پارتنون نیز مشهود است. سقف فضاهای داخلی با تخته های سفالی پوشیده شده بود، مانند مصر باستان با رنگ آبی رنگ آمیزی شده بود و با ستاره های طلایی رنگ آمیزی شده بود. درها را با پارچه های گران قیمت آویزان کرده بودند و با میله های جعلی طلاکاری شده پوشانده بودند.

در هنر قدیم هیچ تقسیم بندی کارکردهای هنرهای معماری، مجسمه سازی و نقاشی وجود نداشت. بنابراین، معماری و مجسمه‌سازی همچنان مشکل بیان ایده‌های زیبایی‌شناختی را از طریق رنگ حل می‌کرد و نقاشی یونان و روم باستان، در اصل، از نظر کارکردی نقاشی تزئینی (پیناکی) بود. یکی از اولین نقاشان باستانی ایونی Polygnotus بود که در نیمه اول قرن پنجم در آتن کار کرد. قبل از میلاد مسیح ه. آثار او باقی نمانده است، اما به گفته مورخ پلینی بزرگ، این هنرمند با استفاده از تکنیک encaustic (نقاشی مومی) با رنگ‌های ساده نقاشی می‌کرد و تنها از چهار رنگ سفید، زرد، قرمز و سیاه (به اصطلاح تتراکروماتیسم) استفاده می‌کرد. . رنگ آبی (لاجورد) و سبز فقط برای نقاشی جزئیات نظم معماری استفاده می شد. این نیز به عنوان تأیید اصل "فیزیکی بودن" نقاشی باستانی تلقی می شود، زیرا رنگ ابی- این احساس هوا، آسمان و فضا است و بی جهت نیست که در "نقاشی باستانی" وجود ندارد. مقدمه این هنر پرسپکتیو و کیاروسکورو به آپولودوروس آتنی نسبت داده می شود که در نیمه دوم قرن پنجم کار می کرد. قبل از میلاد مسیح ه. او به "skiagraph" (به یونانی skeuagraphe - "نقاش سایه") ملقب بود. دستاوردهای آپولودوروس توسط Apelles و Zeuxis توسعه یافت. نقاشی‌های آن‌ها بر روی تخته‌های چوبی با مزاج یا مستقیماً روی دیوار به‌عنوان نقاشی دیواری اجرا می‌شد و معاصران خود را با کیفیت توهم‌آمیز خود شگفت‌زده می‌کرد. این هنرمندان احتمالاً "نورها" و هایلایت ها را به "سایه های آپولودوروس" اضافه کردند. در نتیجه، کلمه "skia" نه تنها به معنای "سایه"، بلکه درجه بندی تن و ترکیب رنگ ها شروع شد.

اما حتی در موزاییک بعدی "نبرد اسکندر مقدونی با داریوش" که در دوران هلنیستی بر اساس نقاشی قرن چهارم ساخته شده است. قبل از میلاد مسیح ه. و تا به امروز حفظ شده است، در اصل، هیچ فضای تصویری وجود ندارد، همانطور که هیچ رنگ سرد و آبی وجود ندارد. فقط یک "لایه" کم عمق از پیش زمینه وجود دارد که در آن همه چهره ها "روی یکدیگر" قرار می گیرند. از این رو سیستم پرسپکتیو معکوس کمی بعد شکل گرفت، که در آن اشیاء دور نه در پشت موارد نزدیک، بلکه بالاتر در امتداد "صفحه تصویر" قرار می گیرند و تا حدودی بزرگتر می شوند و آنهایی که نزدیکتر هستند کمتر و کوچکتر می شوند. سیستم پرسپکتیو معکوس برای هنر شرق سنتی است؛ در هنر بیزانس و نقاشی شمایل روسی باستان بیان کاملی دریافت کرد. در نقاشی‌های معروف پمپی (قرن اول قبل از میلاد - قرن اول بعد از میلاد) فضای تصویری وجود ندارد و حتی در ترکیب‌بندی‌های «چشم‌انداز» توهم‌آمیز «فرم‌های همپوشانی» یا طرح‌های همپوشانی وجود ندارد. فیگورها به طور جداگانه روی یک پس زمینه معمولی به تصویر کشیده شده اند که به صورت محلی با یک رنگ نقاشی شده اند. آنها فقط «سایه‌های» کوتاهی دارند که به‌طور کاملاً مشروط، فیگورها را به هواپیمایی که ظاهراً روی آن ایستاده‌اند، «چسب می‌کنند». مدل‌سازی خود فیگورها نیز نشان‌دهنده یک «مجسمه» است که به یک رنگ در یک هواپیما نقاشی شده است. همچنین مشخصه این است که نقاشی های پمپئی همانطور که قبلاً تصور می شد با انکوستیک ساخته نمی شدند، بلکه با مزاج تخم مرغی ساخته می شدند و فقط سطح آنها با لایه نازکی از موم (گانوزیس) پوشیده شده بود. Tempera، بر خلاف encaustic، برای کارهای دکوراسیون مسطح مناسب تر از مدل سازی حجمی فرم است.

در دوران باستان، در اسکندریه، به اصطلاح "موزاییک اسکندری" متولد شد - روکش دیوار با سنگ مرمر چند رنگ که در امتداد خطوط الگو حک شده است. این تکنیک سلف "سبک منبت" و موزاییک های فلورانسی رنسانس ایتالیا است. نوع اصلی هنر "میکروتکنولوژی" بود (از یونانی mikros - کوچک و تکه - مهارت، هنر) - مجسمه مینیاتوری ساخته شده از مرمر، عاج، استاتیت. درست است، نویسندگان باستان به طرز تحقیرآمیزی در مورد این نوع هنر به عنوان «اتلاف وقت» صحبت کردند. میکروتکنیک نامی بود که به سنگ‌تراشی و هنر جواهرات ساخته شده از طلا و نقره داده می‌شد که در یونان و روم به بالاترین سطح رسید. هنر نقاشی گلدان باستانی در تاریخ بی نظیر است. این روند همان روند توسعه را در معماری، مجسمه سازی و نقش برجسته های تزئینی نشان می دهد. در اشکال و ترکیب‌بندی‌های نقاشی ظروف سرامیکی باستانی، به‌تدریج ظرافت، شکل‌پذیری و تکتونیکی جای خود را به مصلحت، سازندگی و تکتونیکی داد. این انتقال از سبک هندسی به سبک سیاه فیگور و سپس به شکل قرمز و "سبک مجلل" اواخر قرن پنجم - اوایل قرن چهارم را توضیح می دهد. قبل از میلاد مسیح ه. اشکال پیچیده تر شد و شبح گرافیکی نقاشی قرمز و سیاه با چند رنگ در ترکیب با نقش برجسته و تذهیب (ظروف فاناگوری) جایگزین شد. اگر در ابتدا نقاشی به صورت ترکیبی بر تقسیمات ساختاری ظرف تأکید می کرد ، بعداً برخلاف شکل قرار گرفت و آزادانه از یک قسمت به قسمت دیگر جریان داشت. به عنوان مثال، در کاسه های شراب سرامیکی - Kylikas - ساقه و ظرف به وضوح از هم جدا شده اند. در داخل، در پایین کاسه، محل اتصال ساق به بیرون به صورت دایره ای کوچک مشخص شده بود. به تدریج، در فرآیند جایگزینی سبک نقاشی سیاه فیگور با سبک قرمز، این دایره شروع به از دست دادن عملکرد تکتونیکی خود کرد، اندازه آن افزایش یافت و به یک قاب برای تصاویر طرح پیچیده تبدیل شد. نمونه‌ای از همین گرایش را می‌توان مقایسه «گلدان فرانسوا» باستانی (یک دهانه منقوش قرن ششم قبل از میلاد) و دهانه‌های آپولیایی قرن چهارم باشد. قبل از میلاد مسیح ه. با نقاشی های رنگارنگ و زیبا.

چنین انتقالی از شکلی که از نظر تکتونیکی محدود شده است به شکلی تصویری و بدون پلاستیک، الگوی اصلی توسعه تاریخی هنر باستانی را تشکیل می دهد. تصادفی نیست که در اواخر دوران باستان، نقوش پویا برگ های آکانتوس و سرستون باشکوه کورنتی که با برگ های آکانتوس تزئین شده بود، محبوب ترین بودند. بنای معروف لیسیکراتس در آتن (334 قبل از میلاد)، ساخت دوره هلنیستی، نمونه‌ای از یک اثر غیرکارکردی و از منظر سازنده، یک اثر دروغین است که فقط برای تأثیر خارجی طراحی شده است. دیوارهای آن هیچ چیزی را تحمل نمی کنند، ستون ها برای زیبایی قرار گرفته اند، و سرستون های کورنتی آنها دسته هایی از برگ است که هیچ چیز را نمی توان روی آن نگه داشت. بنای یادبود سوریه هلنیستی حتی ویرانگرتر است - معبد گرد«در بعلبک (قرن II-III پس از میلاد). ستون‌های کورنتی آن با میخ مقعر و ستاره‌ای شکل، عموماً معنای خود را از دست می‌دهند.

رومیان باستان معماری برجسته ای ایجاد کردند. دیدگاه ساده شده ای وجود دارد که بر اساس آن رومی ها هیچ چیز از خود در هنر نمی دانستند و همه چیز را از یونانی ها اقتباس کردند. رم واقعاً مانند یک انسان دوست به نظر می رسد، با آگاهی از ثروت، قدرت و نفوذ خود، یونان را می خرد. رومیان - جنگجویان سختگیر، بی رحم، حاکمان خردمند، عملگرایان - هنر را با نیازهای عملی خود تطبیق دادند. آنها استحکامات قدرتمند، برج های دیده بانی، پل ها، جاده ها، قنات ها، سیرک ها، حمام ها و طاق های پیروزی ساختند. روم فایده گرایی تجسم یافته است. رومیان با عملی بودن و محاسبه عاقلانه، دستاوردهای فرهنگی کشورهایی را که فتح کرده بودند، پذیرفتند. آنها همه خدایان، قهرمانان، هنرمندان، همه سبک ها و اشکال هنری را در پانتئون خود پذیرفتند. اما، در همان زمان، رومی ها، همانطور که O. Choisy اشاره کرد، «از قبل در دوران جمهوری یک معماری کاملاً بدیع و عالی داشتند. این بنا به واسطه نقش ذاتی خود از عظمت یا به قول ویترویوس، «اهمیت» متمایز بود، تأثیری که حتی آتنی‌ها زمانی که معماری از روم را برای ساختن معبدی به افتخار زئوس المپیا فراخواندند، تجربه کردند... معماری رومی. در ادامه O. Choisy نوشت: عناصر آن منشأ دوگانه دارند: آنها هم با اتروریا و هم با یونان مرتبط هستند... اتروریا طاق را به رومیان داد، یونان - دستورات ... مدتها قبل از تصرف کورنت، هنر واقعاً رومی در رم به وجود آمد، که به شدت با اشکال مردانه اش از یونانی معاصر متمایز شد و این هنر از بین نرفته است... اسطوره فتح ناگهانی رم توسط هنر یونانی یادآور توهمات معماران فرانسوی رنسانس که خود را ایتالیایی می‌دانستند، زیرا به هنر ایتالیایی علاقه داشتند.» به طور کلی، معماری رم در یک ویژگی اساسی روش خلاقانه با معماری یونانی متفاوت است. اگر یونانیان ساختار و دکور ساختمان را از هم جدا نمی‌کردند و پایتخت را با تمام تزئینات، چرتکه و اکینوس از بلوک‌های مرمر، گاهی همراه با طبل بالای تنه ستون بیرون می‌کشیدند، آن‌گاه رومی‌ها متفاوت، منطقی‌تر و اقتصادی‌تر عمل می‌کردند. آنها دیوارهایی از آجر یا "بتن رومی" (پر از شن و سنگ خرد شده با سیمان) برپا کردند و سپس با استفاده از براکت‌های فلزی و گوه‌های چوبی، تخته‌هایی از روکش مرمری (در فضای داخلی چند رنگ)، ستون‌ها و پروفیل‌ها را آویزان کردند. کلمات معروفگفته سوتونیوس مبنی بر اینکه امپراتور آگوستوس "رم را به عنوان آجر دریافت کرد و آن را به عنوان سنگ مرمر رها کرد" را احتمالا باید دقیقاً به این معنا درک کرد، اگرچه O. Choisy تأکید می کند که شایستگی آگوستوس و سازندگان زمان او دقیقاً در توسعه نهفته است. آجرکاریروی سیمان روش ساخت رومی مترقی بود، اما به انحطاط تدریجی معماری، تبدیل آن به هنر تزئین نماها با ارتباط کم یا بدون ارتباط با فضای داخلی ساختمان کمک کرد. این گرایش بود که بعداً در معماری رنسانس ایتالیا و کلاسیسم اروپایی شکل گرفت. در آغاز قرن بیستم، D. Merezhkovsky در یادداشت های سفر نوشت که بقایای ساختمان های رومی، به دلیل این واقعیت که آنها از آجر ساخته شده بودند، بدون روکش، که در قرن های بعدی از بین رفت، این تصور را ایجاد می کند که "بزرگ، اسکلت های غمگین.» رومیان با در نظر گرفتن دستورات یونانی به عنوان پایه و تفسیر آنها در درجه اول تزئینی، آنها را به یک پایه بلند کردند که هرگز در یونان انجام نشد. رومی ها به باشکوه ترین و تزئینی ترین نظم - کورنتی - اولویت دادند. اما این کافی نبود، آنها پایتخت نظم "کامپوزیت" (یا مرکب، پیچیده) را اختراع کردند و برگهای آکانتوس کورنتی را با فرهای سرستون یونی ترکیب کردند. رومی ها یک آرکید متشکل از تعدادی "سلول های رومی" را به کار بردند - ترکیبی اصلی از یک طاق با دو ستون متصل به آن در دو طرف (معمولاً روی پایه ها). ستون‌ها سقف قوسی را نگه نمی‌داشتند، بلکه فقط یک تزئین خارجی بودند. از چنین "سلول های رومی" که در چندین طبقه روی هم چیده شده اند، تئاتر مارسلوس در رم (قرن 1 قبل از میلاد) و کولوسئوم معروف که احتمالاً از مجسمه عظیم هلیوس - کولوسوس نامگذاری شده است ساخته شد. یونانی ها از طاق استفاده نمی کردند؛ معماری آنها معمولاً افقی بود - سقف آرشیترو. رومی ها با قرض گرفتن طرح طاق و طاق، که در بین النهرین باستان در شرق اختراع کردند و در سوریه هلنیستی بهبود یافتند، ساختن سازه های غول پیکر - حمام ها، سیرک ها را آموختند. آنها شکل یک طاق پیروزی تک دهانه و سه دهانه را اختراع کردند و تمام ساختمان های معتبر - معابد، کتابخانه ها، ستون های پیروزی و منقاری - در مجموعه های یادبود - فروم های امپراتوری ترکیب شدند. هر امپراتوری ایجاد یک فروم برای مردم روم را مایه افتخار می دانست. ویژگی بارز معماری رومی فضایی بودن آن، تناوب متضاد تکیه گاه ها و دهانه ها، دیوارهای عظیم و طاق ها است.

از این نظر، معماری رومی حتی گویاتر از یونانی است. تحت فرمان امپراتور هادریان در 118-125. n ه. در روم، آپولودوروس از دمشق (سوریه) معبدی از همه خدایان - پانتئون - ساخت. سازه عظیم و گرد با گنبدی پوشیده شده بود (قطر آن برابر با ارتفاع کل بنا، 43.3 متر است). مشخصه این است که گنبد با استفاده از سنگ تراشی «همپوشانی» با ردیف‌هایی از تخته‌های افقی ساخته شده است، اما از داخل با کیسون‌ها، فرورفتگی‌های مربعی، اشکال اساساً کاذب تزئین شده است که هیچ ارتباطی با ساختار واقعی ندارد. دوگانگی هنری، ناهماهنگی بین طراحی و تزئینات معماری روم باستان به ویژه با گذشت قرن ها قابل توجه شد. حتی مدافع دوران باستان، گوته، به «گالری‌های مرمری که راه به جایی نمی‌برند» و ستون‌های «زنجیری» به دیوارها تمسخر می‌کرد - بالاخره یک ستون تکیه‌گاه است و «باید آزادانه بایستد!» رومی ها تکنولوژی جواهرات طلا و نقره، پردازش سنگ های قیمتی و کنده کاری جواهرات و مهرها را بهبود بخشیدند. شکوفایی شیشه سازی و موزاییک باستانی با دوره امپراتوری روم مرتبط است. علاقه فزاینده به شخصیت قوی و روانشناسی انسانی دلیلی شد که ایده آلیسم انتزاعی مجسمه سازی یونانی به تدریج با هنر پرتره مجسمه سازی جایگزین شد. نیم تنه های پرتره، که توسط اتروسک ها اختراع و توسط رومی ها بهبود یافته بود، به سنت هنر اروپایی تبدیل شد. با این حال، پس از بازگشت کوتاهی به فرم های کلاسیک در اواسط قرن سوم. n ه. (رنسانس گالن)، از بین رفتن غنای پلاستیک به ویژه در هنر باستان قابل توجه است. طرح‌واره‌سازی، خشکی و سفتی فرم، روایت بیش از حد و مملو از جزئیات، از بین رفتن یکپارچگی و وضوح بیان وجود داشت. همه اینها تولد یک هنر متفاوت و اولیه مسیحی را نشان می دهد که پیش شرط های آن در دوران باستان حتی قبل از تقویت و گسترش مسیحیت به عنوان یک دین دولتی به بلوغ رسیده است. E. Dodds مورخ انگلیسی در کتاب خود "یونانیان و غیر منطقی" (1951) این فرضیه را مطرح کرد که این عقل گرایی، منطق و "اصل جسمانی بودن" بود که در نهایت فرهنگ باستانی را نابود کرد و راه را برای شکوفایی معنویت غیرعقلانی مسیحی آماده کرد. اما یونان باستان، و سپس رم، در درجه اول در زمینه معماری و مجسمه سازی، موفق شدند پایه های فرهنگ پان-اروپایی و، به ویژه، تفکر هنری منطقی - سنگ بنای کلاسیک گرایی در هنر را پایه ریزی کنند. این دقیقاً همان چیزی است که اروپا محوری تاریخ متعاقب سبک های هنری و این واقعیت را توضیح می دهد که کلاسیکیسم اروپایی قرن های 16، 17، 18 و 19 بر اساس هنر باستانی استوار بود. این نه به دلیل تقلید ساده از یک ایده آل خودسرانه، بلکه به دلیل تمایل به معیارهای پایدار - عقلانیت و سازنده بودن تفکر هنری اتفاق افتاد. قدرت این سنت اروپایی به حدی بود که انواع جهت‌ها، گرایش‌ها و سبک‌ها: رمانتیسیسم، باروک، امپراتوری، بیدرمایر، «نئو رنسانس»، شیوه‌گرایی، «مدرن شمالی» به هر نحوی با بازاندیشی مرتبط بودند. اشکال کلاسیک مورخ هنر، یکی از بنیانگذاران مکتب تاریخ هنر وین، M. Dvorak، با جمع بندی افکار خود در مورد این موضوع، می نویسد که کل تاریخ هنر "در دوره پس از باستان" تاریخ "مبارزه بین روح" است. و ماده، تعامل اصول عقلانی و غیرعقلانی، طبیعت گرایی و ایده آلیسم، مبارزه ای که آغاز آن را در یونان و روم باستان می یابیم.

هنر یونان باستان نقش حیاتی در توسعه فرهنگ و هنر بشر داشت. توسط مردم مشخص شد و توسعه تاریخیاین کشور، عمیقاً متفاوت از توسعه کشورهای شرق باستان است. در یونان، علیرغم وجود برده داری، کار رایگان صنعتگران نقش بسیار زیادی ایفا کرد - تا زمانی که توسعه برده داری تأثیر مخربی بر آن گذاشت. در یونان، در چارچوب یک جامعه برده دار، اولین اصول دموکراسی در تاریخ توسعه یافت که امکان توسعه ایده های جسورانه و عمیقی را فراهم کرد که زیبایی و اهمیت انسان را تأیید می کرد.

در دوران گذار به جامعه طبقاتی، تعدادی از دولت شهرهای کوچک، به اصطلاح سیاست، در یونان باستان شکل گرفت. علیرغم وجود پیوندهای متعدد اقتصادی، سیاسی، فرهنگی، سیاست ها بود کشورهای مستقلو هر کدام سیاست خود را دنبال کردند.

مراحل توسعه هنر یونان باستان:

1. یونان هومر(قرن 12-8 قبل از میلاد) - زمان فروپاشی جامعه قبیله ای و پیدایش روابط بردگان. ظهور حماسه و اولین بناهای بدوی هنرهای زیبا.

2. قدیمی، کهنه، یا دوره شکل گیری دولت-شهرهای برده دار (7-6 قرن قبل از میلاد) - زمان مبارزه فرهنگ هنری دموکراتیک باستانی با بقایای و بقایای قدیمی. روابط عمومی. شکل گیری و توسعه معماری یونانی، مجسمه سازی، صنایع دستی، شکوفایی شعر غنایی.

3 کلاسیک، یا دوران اوج دولت شهرهای یونان (5-4 قرن قبل از میلاد) - دوره شکوفایی بالای فلسفه، اکتشافات علمی طبیعی، توسعه شعر (به ویژه نمایشنامه)، ظهور معماری و پیروزی کامل رئالیسم در هنرهای زیبا در پایان این دوره، اولین بحران جامعه برده آغاز شد، توسعه پولیس رو به افول گذاشت که در نیمه دوم قرن چهارم باعث بحران در هنر کلاسیک شد.

3. دوره هلنیستی(اواخر قرن 4-1 قبل از میلاد) - دوره بهبود کوتاه مدت از بحران از طریق تشکیل امپراتوری های بزرگ. با این حال، خیلی زود تشدید اجتناب ناپذیر تمام تضادهای حل نشدنی برده داری رخ داد. هنر در حال از دست دادن روحیه شهروندی و ملیت است. پس از آن، دولت های هلنیستی توسط روم فتح و در امپراتوری آن گنجانده شد.

قطب ها دائماً با یکدیگر دشمنی داشتند، اما در صورت حمله دشمن مشترک به یونان متحد می شدند (این مورد در ایران و مقدونیه بود). هر شهروندی حق مشارکت در حکومت را داشت. طبیعتاً در میان شهروندان آزاد تضادهای داخلی وجود داشت که اغلب در مبارزه دموها (مردم) علیه نمایندگان اشراف بیان می شد.

در یونان باستان، قدرت بدنی و زیبایی ارزش ویژه ای داشت: مسابقات پان یونانی در المپیا (شبه جزیره پلوپونز) برگزار شد. زمان در المپیک نگه داشته شد و مجسمه هایی برای برندگان نصب شد. نمایش‌های تئاتری که در ابتدا با جشن‌های مذهبی، از جمله نمایش‌هایی که به افتخار حامیان سیاست‌ها انجام می‌شد (به عنوان مثال، جشنواره پاناتنایا بزرگ برای آتنی‌ها)، در توسعه ادراک زیبایی‌شناختی اهمیت زیادی داشتند. دیدگاه‌های مذهبی یونانیان ارتباط خود را با اساطیر عامیانه حفظ کردند، بنابراین دین با فلسفه و تاریخ در هم آمیخته شد. مشخصهاساس اساطیری هنر یونانی انسان‌سازی آن است، یعنی انسان‌سازی عمیق تصاویر اساطیری.

بناهای یادبود هنر یونان باستان در بیشتر موارد به صورت اصلی به دست ما نرسیده است؛ بسیاری از مجسمه های باستانی از روی نسخه های رومی باستان مرمر برای ما شناخته شده است. در دوران اوج امپراتوری روم (قرن 1 تا 2 پس از میلاد)، رومی ها به دنبال تزئین کاخ ها و معابد خود با کپی هایی از مجسمه ها و نقاشی های دیواری معروف یونان بودند. از آنجایی که تقریباً تمام مجسمه‌های بزرگ برنز یونانی در طول سال‌های فروپاشی جامعه باستان ذوب شدند و مجسمه‌های مرمری عمدتاً از بین رفتند، اغلب تنها با نسخه‌های رومی، معمولاً نادرست، می‌توان تعدادی از شاهکارهای فرهنگ یونانی را قضاوت کرد. . نقاشی یونانی در نسخه اصلی نیز به سختی باقی مانده است. نقاشی های دیواری با ماهیت هلنیستی متاخر، که گاه نمونه های قبلی را بازتولید می کنند، اهمیت زیادی دارند. برخی از ایده های نقاشی بنای یادبود توسط تصاویر روی داده شده است گلدان های یونانی. همچنین پراهمیتدارای گواهینامه کتبی هستند که معروفترین آنها:"توصیف هلاس" اثر پاوسانیاس،«تاریخ طبیعی» اثر پلینی"نقاشی" فیلوستراتوس، ارشد و جوان،"توضیح مجسمه ها" اثر کالیستراتوس،"ده کتاب در معماری" نوشته ویترویوس.

هنر یونان هومری

(قرن 12 - 8 قبل از میلاد)

این بار در اشعار حماسی منعکس شد -"ایلیاد" و ادیسه که گمان می رود توسط هومر نوشته شده باشد. در طول دوره هومر، جامعه یونان در کل هنوز سیستم قبیله ای را حفظ کرده بود. اعضای معمولی قبیله و قبیله کشاورزان آزاد و تا حدی چوپان بودند. برده داری یک ویژگی اپیزودیک و مردسالارانه داشت؛ کار برده (به ویژه در آغاز) عمدتاً در خانه رهبر قبیله و رهبر نظامی - باسیلئوس - استفاده می شد. باسیلئوس رئیس قبیله بود و در شخص خود قدرت قضایی، نظامی و کشیشی را متحد می کرد. او جامعه را همراه با شورای بزرگان - بوول اداره می کرد. در مهم ترین مناسبت ها، مجلس ملی به نام آگورا تشکیل می شد.

معماری تاریخی معابد یونان باستان، که در دوره هومری سرچشمه می گیرد، از نوع مگارون که در میکنا و تیرین توسعه یافته بود - یک سالن با هشتی و یک رواق - استفاده می کرد و به روش خود بازسازی می کرد. شخصیت تزیینی بیانگر دنیای اژه با آگاهی هنری یونانیان باستان بیگانه بود.

اولین آثار هنری که به ما رسیده است گلدان هستند."سبک هندسی"، تزئین شده با نقوش نقاشی شده با رنگ قهوه ای در زمینه زرد کم رنگ ظرف سفالی. کامل ترین تصویر از این سبک توسط گلدان های دیپیلون ارائه شده است. اینها ظروف بسیار بزرگی هستند که گاه به قد یک نفر می رسند و هدف تشییع جنازه یا مذهبی داشتند. در آمفورهای Dipylon تزئینات به ویژه فراوان است: این الگو اغلب از نقوش کاملاً هندسی تشکیل شده است، به ویژه یک نوار پیچ و خم (تزیینات پرپیچ و خم در طول توسعه هنر یونان حفظ شده است). همچنین از زیور آلات گیاهی و جانوری طرحواره شده استفاده شد.

یکی از ویژگی‌های مهم گلدان‌های دیپیلون بعدی، معرفی تصاویر طرح اولیه با شکل‌های طرح‌واره‌ای از افراد در الگو است. این نقوش طرح بسیار متنوع است: آیین عزاداری درگذشته، مسابقه ارابه‌رانی، کشتی‌های بادبانی و غیره.

مجسمه این دوره فقط به دست ما رسیده استاما به شکل آثار پلاستیکی کوچک، عمدتاً ماهیت مذهبی. این مجسمه‌های کوچکی هستند که خدایان یا قهرمانان را به تصویر می‌کشند که از سفال، عاج یا برنز ساخته شده‌اند.

"اسب" و " هرکول و سنتور"، المپیا

"شخم زن"، بوئوتیا

آپولو، بوئوتیا

مجسمه یادبود یونان هومر به زمان ما نرسیده است. شخصیت آن را می توان از توصیفات نویسندگان باستانی قضاوت کرد. نوع اصلی چنین مجسمه هایی به اصطلاح xoans - بت هایی از چوب یا سنگ بودند.

تا قرن 8 قبل از میلاد. شامل بقایای بناهای معماری اولیه یونان است.

معبد آرتمیس اورتیا در اسپارت (بازسازی)

خرابه های معبد در ترموس در اتولی حفظ شده است وقاب در دروس در کرت. آن‌ها از برخی سنت‌های معماری میکنی استفاده می‌کردند، عمدتاً از طرح کلی شبیه به مگارون: محراب آتشگاه در داخل معبد قرار می‌گرفت و ۲ ستون بر روی نما قرار می‌گرفت. قدیمی ترین این سازه ها دارای دیوارهایی از آجر گلی و قاب چوبی بر پایه سنگی بود.

هنر باستانی یونانی

(قرن 7-6 قبل از میلاد)

قدرت رئیس قبیله - بازیلئوس - به قرن هشتم باز می گردد. قبل از میلاد مسیح. به شدت توسط سلطه محدود شد اشراف خانواده- Eupatrides، که ثروت، زمین، بردگان را در دستان خود متمرکز کردند - و سپس در قرن هفتم. قبل از میلاد، به طور کامل ناپدید شد. دوره باستانی به زمان مبارزه طبقاتی شدید بین اشراف قبیله و مردم تبدیل شد. Eupatrides به دنبال به بردگی گرفتن اعضای جامعه آزاد بودند که می توانست جامعه یونان را در مسیر دولت های برده شرقی هدایت کند. تصادفی نیست که برخی از بناهای این زمان شبیه هنر باستان شرقی است. پیروزی کامل یا جزئی توده وسیع دهقانان، صنعتگران و بازرگانان آزاد منجر به تأسیس نسخه باستانی جامعه برده داری شد.

در طول قرون 7-6th. قبل از میلاد مسیح. شهرک های یونانی گسترش یافت - مستعمرات در امتداد سواحل مدیترانه و دریای سیاه تشکیل شد. سکونتگاه های جنوب ایتالیا و سیسیل - به اصطلاح Magna Graecia - در تاریخ بعدی فرهنگ یونان باستان اهمیت ویژه ای داشتند.

در طول دوره باستانی، سیستمی از نظم های معماری پدید آمد که پایه و اساس همه توسعه بیشتر معماری باستانی را تشکیل داد. در همان زمان، نقاشی گلدان شکوفا شد و مسیر به تصویر کشیدن یک فرد زیبا و هماهنگ در مجسمه سازی به تدریج ترسیم شد. همچنین ترکیب غزل مهم است که به معنای علاقه به دنیای احساسات شخصی یک فرد است.

سیر تکامل مجسمه سازی یونانی

به طور کلی هنر دوره باستانی قراردادی و شماتیک است. اسطوره ها و داستان های باستانی به طور گسترده در هنرهای زیبا منعکس شده اند. در اواخر دوره باستانی، مضامین برگرفته از واقعیت به طور فزاینده ای شروع به نفوذ به هنر کردند. در پایان قرن ششم قبل از میلاد. روندهای کلاسیک شروع به درگیری فزاینده با روش ها و اصول هنر باستانی می کنند.

حتی در دوران باستان، هنر یونانی نوع جدیدی از ساختمان را ایجاد کرد که به بازتابی از ایده های مردم تبدیل شد - معبد یونانی. تفاوت اصلی با معابد شرق باستان این بود که مرکز مهم ترین رویدادها در زندگی عمومی شهروندان بود. معبد مخزن خزانه عمومی و گنجینه های هنری بود، میدان روبروی آن محل اجتماعات و جشن ها بود. اشکال معماری معبد یونانی بلافاصله توسعه نیافته است.

انواع معابد یونانی

معبدی که برای خدا برپا شده بود، همیشه نمای اصلی آن رو به شرق بود و معابدی که به قهرمانانی که پس از مرگ خدایی می‌شدند، رو به غرب و به سمت پادشاهی مردگان بودند. ساده ترین و قدیمی ترین نوع معبد سنگی باستانی بود معبد "در آنتاها."شامل یک اتاق کوچک بود - پمپ، به سمت شرق باز است. در نمای آن، بین آنتامی(یعنی برآمدگی های دیوارهای جانبی) 2 ستون قرار داده شد. برای ساختار اصلی پولیس مناسب نبود، بنابراین اغلب به عنوان یک سازه کوچک، به عنوان مثال، خزانه در دلفی استفاده می شد:

نوع پیشرفته تری از معبد بود پروستیل، در نمای جلویی که 4 ستون آن قرار گرفته بود. که در amphiprostyleستونی هر دو نمای جلو و عقب را تزئین می کرد، جایی که ورودی خزانه وجود داشت.نوع کلاسیک معبد یونانی بود اطراف، یعنی معبد مستطیل شکل بود و از چهار طرف توسط یک ستون احاطه شده بود. عناصر اصلی طراحی حاشیه ساده و عمیقاً مردمی هستند. در اصل، طراحی به معماری چوبی با دیوارهای خشتی باز می گردد. از اینجا یک سقف شیروانی و سقف‌های تیرآهن، ستون‌هایی که تا ستون‌های چوبی بالا می‌روند، می‌آید. معماران یونان باستان به دنبال توسعه امکانات هنری نهفته در طراحی ساختمان بودند. اینگونه بود که یک نظام معماری روشن و یکپارچه و از لحاظ هنری معنادار پدید آمد که بعدها در میان رومیان این نام را دریافت کرد. ضمانت نامه، که به معنای نظم، ساختار است.

در عصر باستانی، نظم یونانی در دو نسخه توسعه یافت - دوریک و یونی. این با دو مکتب اصلی هنری محلی مطابقت داشت. نظم دوریکتجسم ایده مردانگی، و یونی- زنانگی گاهی اوقات در نظم یونی، ستون ها با کاریاتیدها - مجسمه های زنان لباس پوشیده - جایگزین می شد.

سیستم سفارش یونانی استنسیلی نبود که به طور مکانیکی در هر تصمیمی تکرار شود. نظم یک سیستم کلی از قوانین بود و راه حل همیشه از ماهیت فردی خلاقانه بود و نه تنها با وظایف خاص ساخت و ساز، بلکه با طبیعت اطراف، و در دوره کلاسیک - با سایر ساختمان های معماری سازگار بود. گروه

معبد دوریک - پریپتروس با یک پایه سنگی از زمین جدا شد - استریوبات، که شامل 3 مرحله بود. وارد شدن ناوس(اتاق معبد مستطیل شکل) در پشت ستون در سمت نمای اصلی قرار داشت و با پرونائو تزئین شده بود که از نظر طراحی یادآور یک رواق بود."معبد در مورچه ها" گاهی علاوه بر ناوس هم وجود داشت منکر- یک اتاق پشت پمپ، با خروجی به سمت نمای عقب. نائوس از هر طرف توسط یک ستون احاطه شده بود -"پترون"(بال، پریپتروس - معبد بالدار در هر طرف).

ستون مهمترین قسمت سفارش بود. ستون نظم دوریک در دوره باستانی چمباتمه زده و قدرتمند بود - ارتفاع آن برابر با 4-6 قطر پایین است. تنه ستون از طریق یک سری شیارهای طولی بریده شد - فلوت. ستون های راسته دوریک استوانه های هندسی دقیقی نیستند، علاوه بر باریک شدن کلی به سمت بالا، دارای ضخامتی یکنواخت در ارتفاع یک سوم بودند. آنتاسیس

ستون نظم یونی از نظر نسبت بلندتر و نازک تر است، ارتفاع آن برابر با 8-10 قطر کمتر است. پایه ای داشت که به نظر می رسید از آن رشد می کرد. فلوت‌ها که در ستون دوریک با زاویه همگرا می‌شدند، در ستون یونی با برش‌های صاف لبه‌ها از هم جدا می‌شدند - این باعث می‌شد تعداد خطوط عمودی دو برابر شود و به دلیل این واقعیت که شیارهای ستون یونی بریده شده بودند. عمیق تر، بازی نور و سایه روی آن غنی تر و زیباتر بود. پایتخت دارای یک اکینوس بود که 2 فر برازنده را تشکیل می داد.

سیستم نظم دوریک در ویژگی های اصلی خود قبلاً در قرن هفتم توسعه یافت. قبل از میلاد مسیح. (پلوپونز و Magna Graecia)، نظم یونی در اواخر قرن هفتم توسعه یافت. قبل از میلاد مسیح. (آسیای صغیر و یونان جزیره ای). بعدها، در دوران کلاسیک، مرتبه سوم - کورینتی - نزدیک به یونی توسعه یافت و با این واقعیت متمایز شد که در آن ستون‌ها به نسبت کشیده‌تر بودند (تا 12 قطر پایین‌تر) و با یک سبد سرسبز در بالای آن قرار گرفتند. سرپیچ، متشکل از زیور آلات گلدار - برگهای تلطیف شده آکانتوس - و فرها (جوشها).

معابد قبلی اغلب دارای سرستون های بسیار سنگین یا تنه های ستونی بسیار کوتاه بودند؛ نسبت ابعاد معبد اغلب نامتناسب بود. کم کم همه کاستی ها از بین رفت.

معبد هرا (هرایون) در المپیا، قرن هفتم. قبل از میلاد مسیح.

معبد آپولو در کورینث (پلوپونز)، طبقه دوم. قرن 6 قبل از میلاد مسیح.

رنگ‌آمیزی جای خود را در معماری باستانی پیدا کرد؛ رنگ‌های اصلی اغلب ترکیبی از قرمز و آبی بودند. تمپانوم ها و زمینه های متوپ ها، تریگلیف ها و سایر قسمت های گلدسته نقاشی شده و مجسمه نیز نقاشی شده است.

معابد ایونیا، یعنی. شهرهای سواحل آسیای صغیر و جزایر، به ویژه متمایز بودند اندازه های بزرگو لوکس بودن دکوراسیون این در ارتباط با فرهنگ شرق منعکس شد. معلوم شد که این معابد از خط اصلی توسعه معماری یونانی دور هستند. معماری کلاسیک همه چیز را توسعه داد بهترین طرف هانظم یونی، اما با تجملات سرسبز بیگانه بود؛ این ویژگی تنها در دوران هلنیستی توسعه یافت. معروف ترین نمونه معابد باستانی در ایونیا معبد آرتمیس در افسس (نیمه دوم قرن ششم قبل از میلاد) - دوپترا با طول بیش از 100 متر است.

مدل معبدی در استانبول در پارک مینیاتورک

دوره باستانی دوره شکوفایی صنایع دستی هنری به ویژه سرامیک بود. معمولا گلدان ها را با نقاشی هنری می پوشاندند. در قرن هفتم و به ویژه در قرن ششم. قبل از میلاد مسیح. سیستمی از اشکال دائمی گلدان ها ایجاد شد که اهداف متفاوتی داشتند. آمفورا برای روغن و شراب در نظر گرفته شده بود، دهانه برای مخلوط کردن آب با شراب در هنگام جشن بود، از کیلیکس شراب می‌نوشیدند و بخور در لکیتوس برای غذا دادن بر روی قبر مردگان ذخیره می‌شد. در اوایل دوره باستانی (قرن هفتم قبل از میلاد)، سبکی به تقلید از شرق در نقاشی گلدان یونانی غالب بود؛ تعدادی زیور آلات از شرق به عاریت گرفته شد. در قرن ششم. قبل از میلاد مسیح. به اصطلاح نقاشی گلدان سیاه فیگور رسید. زیور طرح دار با یک الگوی شبح روشن جایگزین شد.

نقاشی گلدان سیاه‌پیکر به بزرگترین شکوفایی خود در آتیکا رسید. نام یکی از حومه آتن، معروف در قرن 6 و 5. قبل از میلاد مسیح. به وسیله سفالگران آن - کرامیک - نام محصولاتی شد که از خشت پخته تهیه می شد.

دهانه کلیتیوس، ساخته شده در کارگاه ارگوتیم (560 قبل از میلاد) یا گلدان فرانسوا

مشهورترین نقاش گلدان آتیک اگزکیوس است. یکی از بهترین کارهای او نقاشی روی آمفورایی است که آژاکس و آشیل را در حال بازی تاس و تصویری از دیونوسوس در قایق (پایین قایلکس) نشان می دهد.

نقاشی های گلدان یکی دیگر از استادان آندوکیداس به دلیل نقوش واقع گرایانه خود که گاه با تکنیک های نقاشی گلدان آرکائیک مسطح در تضاد هستند شناخته می شوند: آمفورایی با تصویر هرکول و سربروس (موزه هنرهای زیبای دولتی پوشکین).

نقاشی‌های گلدان‌های سیاه‌پیکر متاخر، برای اولین بار در هنر یونانی، نمونه‌هایی از ترکیب چند پیکره را ارائه می‌کرد که در آن همه شخصیت‌ها در رابطه واقعی بودند. با رشد رئالیسم در هنر یونانی، نقاشی گلدان تمایل به غلبه بر مسطح بودن را نشان داد. این منجر به حدود 530 شد. قبل از میلاد مسیح. به یک انقلاب کامل در تکنیک نقاشی گلدان - به انتقال به نقاشی گلدان قرمز شکل، با چهره های روشن در پس زمینه سیاه. نمونه های عالی در کارگاه آندوکیدا ایجاد شد، اما همه احتمالات در دوران هنر کلاسیک کاملاً آشکار شده بود.

توسعه مجسمه سازی باستانی متناقض بود. تقریباً تا پایان دوره باستانی ، مجسمه های کاملاً جلویی و بی حرکت از خدایان ساخته شد. این نوع مجسمه شامل:

هرا از جزیره ساموس وآرتمیس از جزیره دلوس

الهه با انار، موزه برلین

چهره های نشسته حاکمان با روحیه شرقی خود متمایز بودند ( آرکون ها) در امتداد جاده معبد باستانی آپولو (Didymeion) در نزدیکی Miletus (در Ionia) قرار دارد. این مجسمه های سنگی شماتیک و هندسی ساده شده بسیار دیر - در اواسط قرن ششم ساخته شدند. قبل از میلاد مسیح. تصاویر فرمانروایان به تصاویر مذهبی مذهبی تعبیر می شود. چنین مجسمه هایی اغلب دارای اندازه عظیمی بودند که از این نظر از شرق باستان نیز تقلید می کردند. به‌ویژه دوره باستانی مجسمه‌های برهنه قهرمانان یا بعداً جنگجویان بود. کوروس. ظاهر تصویر کوروس برای توسعه مجسمه سازی یونانی اهمیت زیادی داشت؛ تصویر یک قهرمان یا جنگجوی شجاع و قوی با رشد آگاهی مدنی و آرمان های هنری جدید همراه بود. توسعه کلی نوع کوروس به سمت وفاداری بیشتر به تناسبات و دور شدن از تزئینات تزئینی مرسوم پیش رفت. این امر مستلزم تغییرات اساسی در آگاهی انسان بود که پس از اصلاحات کلیستنس و پایان جنگ‌های یونان و ایران رخ داد.

ساختار سخنرانی:

من

II. دوره باستان - فرهنگ اژه.

2.1. فرهنگ کرت

2.2. هنر میسنی.

III. هنر دوره هومر.

IV. کتابشناسی - فهرست کتب.

V. فهرست مصنوعات اصلی

من. ویژگی های کلی هنر باستانی

تمدن اروپایی ریشه در دوران باستان دارد. فرهنگ باستانی مدیترانه بزرگترین آفرینش بشر به حساب می آید. محدود به فضا (عمدتاً سواحل و جزایر دریاهای اژه و ایونی) و زمان (از هزاره دوم قبل از میلاد تا قرن های اول مسیحیت)، فرهنگ باستانی مرزهای وجود تاریخی را گسترش داد و خود را اهمیت جهانی معماری و مجسمه سازی اعلام کرد. ، شعر حماسی و نمایشنامه، علوم طبیعی و دانش فلسفی. در اصطلاح تاریخی، باستان به دوره ای از تاریخ که جامعه بردگان یونانی-رومی را در بر می گیرد، اطلاق می شود.

مفهوم باستان در فرهنگ در دوران رنسانس به وجود آمد. این همان چیزی است که اومانیست های ایتالیایی آن را اولین فرهنگ شناخته شده برای خود می نامند. این نام تا به امروز به عنوان مترادف آشنا برای دوران باستان با آن باقی مانده است و دقیقاً فرهنگ یونانی-رومی را از جهان های فرهنگی شرق باستان جدا می کند.

فرهنگ باستانی جهان‌شناختی و مبتنی بر اصل عین‌گرایی است و به طور کلی رویکرد عقلانی (نظری) به درک جهان و در عین حال درک عاطفی و زیبایی‌شناختی آن، منطق هماهنگ و اصالت فردی در حل مسائل اجتماعی دارد. -مشکلات عملی و نظری

مواد تاریخی پیچیده و متنوع معمولاً به چند دوره تقسیم می شود که تاریخ هنر براساس آنها ساخته می شود:

دوره باستان - فرهنگ اژه (30-20 قرن قبل از میلاد)

دوره هومر (قرن 11 تا 8 قبل از میلاد)

دوره باستانی (قرن هفتم تا ششم قبل از میلاد)

دوره کلاسیک (قرن پنجم - تا یک سوم آخر قرن چهارم قبل از میلاد)

دوره هلنیستی (سوم آخر قرن چهارم - قرن اول قبل از میلاد)

دوره توسعه قبایل ایتالیا - فرهنگ اتروسک (قرن 8 - 2 قبل از میلاد)

دوره جمهوری خواهان روم باستان (قرن 5 تا 1 قبل از میلاد)

دوره امپراتوری روم باستان (قرن اول تا پنجم پس از میلاد)

منابع تاریخ باستان نسبتاً کمیاب است و عمدتاً به دو گروه مادی و مکتوب تقسیم می شود. برای کهن ترین دوره های تاریخ باستان، بناهای فرهنگ و هنر مادی منبع اصلی و گاه تنها منبع هستند. برای مراحل بعدی تاریخ جامعه برده، منابع مکتوب از جمله اسناد رسمی و خصوصی، نامه ها، خاطرات، سخنرانی ها و همچنین ادبیات تاریخی، هنری، علمی و فلسفی نقش حیاتی ایفا می کنند.

II. دوره باستان - فرهنگ اژه (کرتو-میکنایی).

این فرهنگ در قرون 30 تا 20 به شکوه خاصی رسید. قبل از میلاد، در عصر برنز، در کرت، در برخی جزایر دیگر (ملوس، آمورگوس، ترا، بعداً قبرس) و سرزمین مرکزی و جنوبی یونان.

دوره فرهنگی 30-20 قرن. قبل از میلاد مسیح. معمولا فرهنگ اژه نامیده می شود. گسترش این فرهنگ مناطقی از دریای اژه را در بر می گیرد، جایی که کاوش ها چندین منطقه را با ویژگی های فرهنگی اصیل خود و در عین حال مرتبط، در هم تنیده با یکدیگر نشان می دهد.

فرهنگ اژه اولین مرحله فرهنگ باستانی است. با انسان گرایی، خوش بینی، کمال بالای تصاویر هنری، هماهنگی و تناسب مشخص می شود. مراکز اصلی این فرهنگ جزیره کرت و شهر Mycenae در پلوپونز است. از این رو نام دوم فرهنگ اژه - کرت-میکنایی است.

فرهنگ کرت (30-12 قرن قبل از میلاد).

قبل از سایر مناطق دریای اژه، کرت در عصر برنز مسیر توسعه فشرده را آغاز کرد. فرهنگ کرت نیز نامیده می شود مینوی، به نام پادشاه افسانه ای مینوس.

1. اوایل مینوی (قرن 30-23/21 قبل از میلاد)،

2. مینوی میانه (23/21 - 16 قرن قبل از میلاد)

3. مینوی پسین (قرن 16-12 قبل از میلاد).

اولین دوره شکوفایی باشکوه کرت در جهان دریای اژه در اواخر قرن 30 تا 20 آغاز شد. قبل از میلاد مسیح e.، در حدود زمانی که اجداد یونانیان بعدی به شبه جزیره بالکان حمله کردند. اما این قبلاً دوره مینوی میانه بود که در مورد آن در کرت بود می توان از دوره «اولین کاخ ها» صحبت کرد.کاخ ها که به طور مداوم بازسازی می شوند و در طول دو قرن و نیم شکوهمندتر می شوند، با ستون ها و نقاشی های دیواری تزئین شده اند.

یکی از اکتشافات اصلی این دوره، در حفاری های باستان شناس A. Evans، کاخی بود که مساحتی برابر با کل شهر داشت - به اصطلاح. هزارتوی کنوسوس. بزرگ‌ترین معمار ددالوس هزارتویی با گذرگاه‌های پیچیده‌ای ساخت که هیچ‌کس نتوانست راهی برای خروج از آن پیدا کند.

در واقع، ایوانز پیدا کرد کل مجتمع های ساختمانی کهدور یک حیاط بزرگ جمع شده اند. آنها به طور پیچیده در سطوح مختلف قرار دارند که توسط پله ها و راهروها به هم متصل می شوند. طیف وسیعی از سازه ها در اطراف حیاط بزرگ سنگفرش شده ساخته شده است. طبقات کاخ بر روی ستون ها قرار داشت و با پلکان های تاریخی به هم متصل می شد. صدها تالار و اتاق برای پذیرایی های تشریفاتی در نظر گرفته شده بود و به عنوان اتاق برای پادشاه و خانواده اش خدمت می کرد.

در دکوراسیون اتاق ها نقاشی دیواری جایگاه مهمی را اشغال می کند. لوکس بودن وسایل و دکوراسیون روشن داخلی از ثروت و اهمیت Knossos سخن می گوید.

تکه های باقی مانده از نقاشی های دیواری ماهیت نقاشی کرت را در این دوران به ما نشان می دهد.

تصویر انسان و حیوانات هنوز به طور کامل استمطابق با اصول هنری توسعه یافته درقرون گذشته،یعنی حرکت به طور دقیق منتقل می شود، اما برخی از قراردادها نیز حفظ می شود: تصویر چشم در جلو با حالت نیم رخی از صورت ارائه می شود، چهره های مردان با رنگ های تیره رنگ می شوند ( رنگ قهوه ای)، زنان - روشن (سفید، زرد) (شکل 129). حرکت مرد جوانی که ریتون را حمل می کند، شاهزاده ای در حال راه رفتن (تصویر 130) و آکروبات هایی با گاو نر به وضوح مشخص می شود. حس ظریف جلوه تزئینی در انتخاب ترکیبی از قهوه ای مایل به قرمز، آبی روشن و زرد در شکل یک مرد جوان با ریتون، آبی و بنفش بر روی لباس زنانه آشکار می شود. نام مستعار"یک پاریسی(شکل 131). اما این فقط مربوط به خود تصویر نیست. به طرح کلی نگاه دقیق‌تری بیندازید: چه خطی پر جنب و جوش، پر جنب و جوش و در عین حال دقیق، مطمئن به بیان لاکونیک آن، و چه بازیگوشی در طرح رنگ، چه ظرافت پر صدایی که زاییده خودانگیختگی یک زودگذر است. چشم انداز. این نقاشی ها در مورد زندگی درباری کاخ کنوسوس می گوید، عظمت حاکم، ثروت و قدرت او را نشان می دهد.

دیوارهاکاخ کنوسوس با نقاشی های دیواری متعدد پوشیده شده است، با تصویر تکرارشونده یک گاو نر. یک گاو نر بزرگ در یک تاخت خشمگین. شکل عمداً کشیده او با جرم قدرتمندش تقریباً کل نقاشی دیواری را پر کرده است. و در مقابل او، پشت سر او و روی او آکروبات های لاغر اندامی هستند که خطرناک ترین تمرین ها را انجام می دهند. و همه چیز در این ترکیب چنان پر جنب و جوش، آنقدر تند و در عین حال آنقدر آرام است که دوباره دید زودگذر سبک و دلپذیر آن را درک می کنید. این هنرمند چه چیزی را نشان داد؟ یک بازی، فقط یک بازی، برازنده، شاد، با وجود خطر

در اواخر دوره مینوی، یک اتاق تخت در قسمت غربی کاخ با کرسی تختی از سنگ (آلباستر) و نیمکت هایی برای بزرگان تزیین شد. دیوارهای تالار به صورت خط کشی گسترده نقاشی شده است: در طرفین تخت و در دیوارهای جانبی دو گریفین به صورت متقارن در ساحل رودخانه قرار گرفته اند که گویی از حاکم محافظت می کنند. چهره‌های این هیولاهای خارق‌العاده و گل‌های تلطیف شده در ساحل به صورت تزئینی تفسیر می‌شوند.

مجسمه های کوچک به شکوفه های درخشان می رسند. تصویر یک انسان متفاوت درستساخت متناسب، بیان حرکت. مجسمه های الهه ها (یا کاهنان) با مارهایی در دست، که در مخفیگاه کاخ کنوسوس یافت شده اند، سرشار از لطف و زنانگی هستند (تصویر 132). چهره آنها، اگرچه زیبا، اما چندان رسا نیست. استادان در نقش برجسته های روی رگ های Agia Triada، ساخته شده از استئاتیت، سرزندگی خاصی به دست آوردند. صحنه‌های مشت‌بازی و بازی با گاو نر روی گلدان شاخ‌دار (ریتون) پویا است، فیگورها در زوایای پررنگ قرار گرفته‌اند. تعبیر صورت های نقش برجسته مشروط است: مثلاً روی گلدان استئاتیت با دسته ای از مردان خرمنکوبی (شکل 133) همه صورت ها یکسان و فقط در نیمرخ چرخانده شده اند و چشم از جلو نشان داده شده است. اما این مانع از آن نشد که استاد چهار خواننده را که با طنز ظریف و دقت آناتومیک همراهی می‌کردند به تصویر بکشد. کرتی ها به صداقت بزرگی دست می یابنداستاد در به تصویر کشیدن حیوانات و گیاهان: به عنوان مثال، نقاشی های دیواری از Agia Triada. نقش برجسته فیانس - یک بز با بچه (شکل 134)، یک گاو با یک گوساله، یک گلدان با نیلوفرهای Knossos.

خلق آثار هنری به طور فزاینده ای به دست صنعتگرانی که مخصوصاً در این امر مشغول هستند، می رود. در این دوره، کارگران ماهر با تجربه کار می کنند استادان حرفه ای نقاشی گلدان که منبعی تمام نشدنی از نقوش، ترکیبات زینتی و تکنیک های تزئین ظروف دارند.(شکل 135). موضوعاتی از زندگی دریا بر روی نقاشی های دیواری و گلدان ها به ویژه توسعه یافته است. یک مثال بسیار چشمگیر سبک "دریایی".نقاشی روی گلدان با تصویر اختاپوس است (شکل 136). در دوره مینوی پسین، ماهیت نقاشی گلدان تغییر کرد. تکنیک های جدید نامیده می شوند سبک "کاخ".. ماهیت آن این است که به نظر می رسد هر بخش از نقاشی بر معماری نفیس ظرف تأکید دارد.

پایان دوره مینوی پسین (قرن 14 - 12 قبل از میلاد) زمان تجزیه فرهنگ کرت است.دوره مینوی پسین به طور همزمان با شکوفایی تعدادی سکونتگاه در سرزمین اصلی یونان مطابقت دارد که به مراکز فرهنگی پیشرو در حوزه دریای اژه تبدیل شدند. بین قرن های 22-20. قبل از میلاد مسیح ه. قبایل یونانی از شمال شبه جزیره بالکان پیشروی زیادی داشتند، یکی از آنها، آخایی ها، در پلوپونز مستقر شدند، جایی که سکونتگاه های Mycenae و Tiryns قوی ترین و ثروتمندترین شدند.

پایان دوره مینوی پسین (قرن 14-12 قبل از میلاد) زمان تجزیه فرهنگ کرت است. کاخ های کرت ممکن است در نتیجه عملیات نظامی ویران شده باشند. هنر کرت، ترا و ملوس یک هنر کاخ است که عمدتاً در چارچوب فرهنگ قصر توسعه یافته و شکوفا شده است. با تخریب مراکز کاخ، کارگاه‌های سرام‌سازان، نقاشان و مجسمه‌سازان کاخ که قرن‌ها سنت هنری قوی در آنجا ایجاد کرده بودند نیز از بین رفت. در هنر، گرایش واقع گرایانه برای انتقال دنیای زنده در حال از بین رفتن است. اکنون در کرت طرحواره سازی در به تصویر کشیدن افراد، حیوانات و فلور; برخی از موضوعات و نقوش هنوز در تصاویر هنری به عنوان یادگار دوره های قبل حفظ شده است، به عنوان مثال، یک گاو با گوساله (تابوس از گورنیا)، زنان با لباس هایی به همان سبک با دامن های گشاد و سینه های باز. تفسیر طبیعت رویکرد کاملاً متفاوتی را به ما نشان می دهد - به نظر می رسد که استاد کمی از طبیعت را مشاهده کرده است ، مهارت حرفه ای در اینجا کاملاً از بین رفته است. نقاشی ها ناپدید می شوند و فقط پلاستیک و سرامیک های کوچک باقی می مانند. در میان گلدان‌های این دوره، ظروفی از نوع میسینایی با نمایش شماتیک از جهان گیاهی و دریایی غالب است.

V. فهرست آثار اصلی.

IV. کتابشناسی - فهرست کتب.

III. هنر دوره هومر.

هنر میسنی.

فرهنگ کرت

ط. مشخصات کلی هنر باستانی.

II. دوره باستان - فرهنگ اژه.

تمدن اروپایی ریشه در دوران باستان دارد. فرهنگ باستانی مدیترانه بزرگترین آفرینش بشر به حساب می آید. محدود به فضا (عمدتاً سواحل و جزایر دریاهای اژه و ایونی) و زمان (از هزاره دوم قبل از میلاد تا قرن های اول مسیحیت)، فرهنگ باستانی مرزهای وجود تاریخی را گسترش داد و خود را اهمیت جهانی معماری و مجسمه سازی اعلام کرد. ، شعر حماسی و نمایشنامه، علوم طبیعی و دانش فلسفی. در اصطلاح تاریخی، باستان به دوره ای از تاریخ که جامعه بردگان یونانی-رومی را در بر می گیرد، اطلاق می شود.

مفهوم باستان در فرهنگ در دوران رنسانس به وجود آمد. این همان چیزی است که اومانیست های ایتالیایی آن را اولین فرهنگ شناخته شده برای خود می نامند. این نام تا به امروز به عنوان مترادف آشنا برای دوران باستان با آن باقی مانده است و دقیقاً فرهنگ یونانی-رومی را از جهان های فرهنگی شرق باستان جدا می کند.

فرهنگ باستانی جهان‌شناختی و مبتنی بر اصل عین‌گرایی است و به طور کلی رویکرد عقلانی (نظری) به درک جهان و در عین حال درک عاطفی و زیبایی‌شناختی آن، منطق هماهنگ و اصالت فردی در حل مسائل اجتماعی دارد. -مشکلات عملی و نظری

مواد تاریخی پیچیده و متنوع معمولاً به چند دوره تقسیم می شود که تاریخ هنر براساس آنها ساخته می شود:

1. دوره باستان - فرهنگ اژه (30-20 قرن قبل از میلاد)

2. دوره هومر (قرن 11 - 8 قبل از میلاد)

3. دوره باستانی (قرن 7 - 6 قبل از میلاد)

4. دوره کلاسیک (قرن پنجم - تا یک سوم آخر قرن چهارم قبل از میلاد)

5. دوره هلنیستی (سوم آخر قرن چهارم - قرن اول قبل از میلاد)

6. دوره توسعه قبایل ایتالیا - فرهنگ اتروسک (قرن 8 - 2 قبل از میلاد)

7. دوره جمهوری خواهان روم باستان (قرن 5-1 قبل از میلاد)

8. دوره امپراتوری روم باستان (قرن 1 تا 5 پس از میلاد)

منابع تاریخ باستان نسبتاً کمیاب است و عمدتاً به دو گروه مادی و مکتوب تقسیم می شود. برای کهن ترین دوره های تاریخ باستان، بناهای فرهنگ و هنر مادی منبع اصلی و گاه تنها منبع هستند. برای مراحل بعدی تاریخ جامعه برده، منابع مکتوب از جمله اسناد رسمی و خصوصی، نامه ها، خاطرات، سخنرانی ها و همچنین ادبیات تاریخی، هنری، علمی و فلسفی نقش حیاتی ایفا می کنند.

II. دوره باستان - فرهنگ اژه (کرتو-میکنایی).

این فرهنگ در قرون 30 تا 20 به شکوه خاصی رسید. قبل از میلاد، در عصر برنز، در کرت، در برخی جزایر دیگر (ملوس، آمورگوس، ترا، بعداً قبرس) و سرزمین مرکزی و جنوبی یونان.

دوره فرهنگی 30-20 قرن. قبل از میلاد مسیح. معمولا فرهنگ اژه نامیده می شود. گسترش این فرهنگ مناطقی از دریای اژه را در بر می گیرد، جایی که کاوش ها چندین منطقه را با ویژگی های فرهنگی اصیل خود و در عین حال مرتبط، در هم تنیده با یکدیگر نشان می دهد.

فرهنگ اژه اولین مرحله فرهنگ باستانی است. با انسان گرایی، خوش بینی، کمال بالای تصاویر هنری، هماهنگی و تناسب مشخص می شود. مراکز اصلی این فرهنگ جزیره کرت و شهر Mycenae در پلوپونز است. از این رو نام دوم فرهنگ اژه - کرت-میکنایی است.

2.1. فرهنگ کرت (30-12 قرن قبل از میلاد).

قبل از سایر مناطق دریای اژه، کرت در عصر برنز مسیر توسعه فشرده را آغاز کرد. فرهنگ کرت نیز نامیده می شود مینوی، به نام پادشاه افسانه ای مینوس.

1. اوایل مینوی (قرن 30-23/21 قبل از میلاد)،

2. مینوی میانه (23/21 - 16 قرن قبل از میلاد)

3. مینوی پسین (قرن 16-12 قبل از میلاد).

اولین دوره شکوفایی باشکوه کرت در جهان دریای اژه در اواخر قرن 30 تا 20 آغاز شد. قبل از میلاد مسیح e.، در حدود زمانی که اجداد یونانیان بعدی به شبه جزیره بالکان حمله کردند. اما این قبلاً دوره مینوی میانه بود که در مورد آن در کرت بود می توان از دوره «اولین کاخ ها» صحبت کرد.کاخ ها که به طور مداوم بازسازی می شوند و در طول دو قرن و نیم شکوهمندتر می شوند، با ستون ها و نقاشی های دیواری تزئین شده اند.

یکی از اکتشافات اصلی این دوره، در حفاری های باستان شناس A. Evans، کاخی بود که مساحتی برابر با کل شهر داشت - به اصطلاح. هزارتوی کنوسوس. بزرگ‌ترین معمار ددالوس هزارتویی با گذرگاه‌های پیچیده‌ای ساخت که هیچ‌کس نتوانست راهی برای خروج از آن پیدا کند.

در واقع، ایوانز پیدا کرد مجموعه های کاملی از ساختمان ها که در اطراف یک حیاط بزرگ جمع شده اند. آنها به طور پیچیده در سطوح مختلف قرار دارند که توسط پله ها و راهروها به هم متصل می شوند. طیف وسیعی از سازه ها در اطراف حیاط بزرگ سنگفرش شده ساخته شده است. طبقات کاخ بر روی ستون ها قرار داشت و با پلکان های تاریخی به هم متصل می شد. صدها تالار و اتاق برای پذیرایی های تشریفاتی در نظر گرفته شده بود و به عنوان اتاق برای پادشاه و خانواده اش خدمت می کرد.

در دکوراسیون اتاق ها نقاشی دیواری جایگاه مهمی را اشغال می کند. لوکس بودن وسایل و دکوراسیون روشن داخلی از ثروت و اهمیت Knossos سخن می گوید.

تکه های باقی مانده از نقاشی های دیواری ماهیت نقاشی کرت را در این دوران به ما نشان می دهد.

تصویر انسان و حیوانات هنوز به طور کامل با اصول هنری توسعه یافته در قرون گذشته مطابقت دارد.یعنی حرکت به طور دقیق منتقل می شود، اما برخی از قراردادها نیز حفظ می شود: تصویر چشم از جلو با حالت نیم رخی از صورت ارائه می شود، چهره های مردان با رنگ های تیره (قهوه ای) نقاشی می شوند، زنان - در رنگ های روشن (سفید، زرد) (شکل 129). حرکت مرد جوانی که ریتون را حمل می کند، شاهزاده ای در حال راه رفتن (تصویر 130) و آکروبات هایی با گاو نر به وضوح مشخص می شود. حس ظریف جلوه تزئینی در انتخاب ترکیبی از قهوه ای مایل به قرمز، آبی روشن و زرد در شکل یک مرد جوان با ریتون، آبی و بنفش بر روی لباس زنانه آشکار می شود. با نام مستعار "پاریسی"(شکل 131). اما این فقط مربوط به خود تصویر نیست. به طرح کلی نگاه دقیق‌تری بیندازید: چه خطی پر جنب و جوش، پر جنب و جوش و در عین حال دقیق، مطمئن به بیان لاکونیک آن، و چه بازیگوشی در طرح رنگ، چه ظرافت پر صدایی که زاییده خودانگیختگی یک زودگذر است. چشم انداز. این نقاشی ها در مورد زندگی درباری کاخ کنوسوس می گوید، عظمت حاکم، ثروت و قدرت او را نشان می دهد.

دیوارهای کاخ کنوسوس با نقاشی های دیواری متعدد پوشیده شده است، با تصویر تکرارشونده یک گاو نر. یک گاو نر بزرگ در یک تاخت خشمگین. شکل عمداً کشیده او با جرم قدرتمندش تقریباً کل نقاشی دیواری را پر کرده است. و در مقابل او، پشت سر او و روی او آکروبات های لاغر اندامی هستند که خطرناک ترین تمرین ها را انجام می دهند. و همه چیز در این ترکیب چنان پر جنب و جوش، آنقدر تند و در عین حال آنقدر آرام است که دوباره دید زودگذر سبک و دلپذیر آن را درک می کنید. این هنرمند چه چیزی را نشان داد؟ یک بازی، فقط یک بازی، برازنده، شاد، با وجود خطر

در اواخر دوره مینوی، یک اتاق تخت در قسمت غربی کاخ با کرسی تختی از سنگ (آلباستر) و نیمکت هایی برای بزرگان تزیین شد. دیوارهای تالار به صورت خط کشی گسترده نقاشی شده است: در طرفین تخت و در دیوارهای جانبی دو گریفین به صورت متقارن در ساحل رودخانه قرار گرفته اند که گویی از حاکم محافظت می کنند. چهره‌های این هیولاهای خارق‌العاده و گل‌های تلطیف شده در ساحل به صورت تزئینی تفسیر می‌شوند.

مجسمه های کوچک به شکوفه های درخشان می رسند. تصویر یک انسان با ساختار متناسب صحیح، بیان حرکت متمایز می شود. مجسمه های الهه ها (یا کاهنان) با مارهایی در دست، که در مخفیگاه کاخ کنوسوس یافت شده اند، سرشار از لطف و زنانگی هستند (تصویر 132). چهره آنها، اگرچه زیبا، اما چندان رسا نیست. استادان در نقش برجسته های روی رگ های Agia Triada، ساخته شده از استئاتیت، سرزندگی خاصی به دست آوردند. صحنه‌های مشت‌بازی و بازی با گاو نر روی گلدان شاخ‌دار (ریتون) پویا است، فیگورها در زوایای پررنگ قرار گرفته‌اند. تعبیر صورت های نقش برجسته مشروط است: مثلاً روی گلدان استئاتیت با دسته ای از مردان خرمنکوبی (شکل 133) همه صورت ها یکسان و فقط در نیمرخ چرخانده شده اند و چشم از جلو نشان داده شده است. اما این مانع از آن نشد که استاد چهار خواننده را که با طنز ظریف و دقت آناتومیک همراهی می‌کردند به تصویر بکشد. استادان کرت در به تصویر کشیدن حیوانات و گیاهان به صداقت زیادی دست می یابند: به عنوان مثال، نقاشی های دیواری از Agia Triada. نقش برجسته فیانس - یک بز با بچه (شکل 134)، یک گاو با یک گوساله، یک گلدان با نیلوفرهای Knossos.

خلق آثار هنری به طور فزاینده ای به دست صنعتگرانی که مخصوصاً در این امر مشغول هستند، می رود. در این دوره، کارگران ماهر با تجربه کار می کنند استادان حرفه ای نقاشی گلدان که منبعی تمام نشدنی از نقوش، ترکیبات زینتی و تکنیک های تزئین ظروف دارند.(شکل 135). موضوعاتی از زندگی دریا بر روی نقاشی های دیواری و گلدان ها به ویژه توسعه یافته است. یک مثال بسیار چشمگیر سبک "دریایی".نقاشی روی گلدان با تصویر اختاپوس است (شکل 136). در دوره مینوی پسین، ماهیت نقاشی گلدان تغییر کرد. تکنیک های جدید نامیده می شوند سبک "کاخ".. ماهیت آن این است که به نظر می رسد هر بخش از طرح بر معماری نفیس ظرف تأکید دارد.

پایان دوره مینوی پسین (قرن 14 - 12 قبل از میلاد) زمان تجزیه فرهنگ کرت است.دوره مینوی پسین به طور همزمان با شکوفایی تعدادی سکونتگاه در سرزمین اصلی یونان مطابقت دارد که به مراکز فرهنگی پیشرو در حوزه دریای اژه تبدیل شدند. بین قرن 22-20. قبل از میلاد مسیح ه. قبایل یونانی از شمال شبه جزیره بالکان پیشروی زیادی داشتند، یکی از آنها، آخایی ها، در پلوپونز مستقر شدند، جایی که سکونتگاه های Mycenae و Tiryns قوی ترین و ثروتمندترین شدند.

پایان دوره مینوی پسین (قرن 14-12 قبل از میلاد) زمان تجزیه فرهنگ کرت است. کاخ های کرت ممکن است در نتیجه عملیات نظامی ویران شده باشند. هنر کرت، ترا و ملوس یک هنر کاخ است که عمدتاً در چارچوب فرهنگ قصر توسعه یافته و شکوفا شده است. با تخریب مراکز کاخ، کارگاه‌های سرام‌سازان، نقاشان و مجسمه‌سازان کاخ که قرن‌ها سنت هنری قوی در آنجا ایجاد کرده بودند نیز از بین رفت. در هنر، گرایش واقع گرایانه برای انتقال دنیای زنده در حال از بین رفتن است. اکنون در کرت، طرح‌واره‌سازی در تصویر انسان‌ها، حیوانات و گیاهان به وضوح مشهود است. برخی از موضوعات و نقوش هنوز در تصاویر هنری به عنوان یادگار دوره های قبل حفظ شده است، به عنوان مثال، یک گاو با گوساله (تابوس از گورنیا)، زنان با لباس هایی به همان سبک با دامن های گشاد و سینه های باز. تفسیر طبیعت رویکرد کاملاً متفاوتی را به ما نشان می دهد - به نظر می رسد که استاد کمی از طبیعت را مشاهده کرده است ، مهارت حرفه ای در اینجا کاملاً از بین رفته است. نقاشی ها ناپدید می شوند و فقط پلاستیک و سرامیک های کوچک باقی می مانند. در میان گلدان‌های این دوره، ظروفی از نوع میسینایی با نمایش شماتیک از جهان گیاهی و دریایی غالب است.

2.2. هنر میسنی (قرن 17 - 13 قبل از میلاد).

هنگامی که فرهنگ کرت ناپدید شد، فرهنگ میسنی که از نظر روحی نزدیک به آن بود، حدود سه قرن در سرزمین اصلی یونان وجود داشت. Mycenae، واقع در قلمرو سرزمین اصلی یونان، در قرون 17 - 13. قبل از میلاد مسیح ه. به یکی از بزرگترین مراکز فرهنگ عالی تبدیل شد.دوران شکوفایی فرهنگ میسنی، که در زیر توسعه یافت نفوذ قویکرت مینوی، این دوره را 16 - 12 قرن در نظر گرفته است. قبل از میلاد مسیح ه. شکوه Mycenae بین 1200 تا 1150 قبل از میلاد محو شد. ه.، زمانی که قبایل دوریان استحکامات میسنی را ویران کردند.

شهر Mycenae را دیوار دژی به طول 900 متر و ضخامت 6 متر احاطه کرده بود که مساحتی بالغ بر 30000 متر مربع را در بر می گرفت. متر در دروازه شهر یک گورستان (آکروپلیس) وسیع با مقبره های گنبدی بزرگ وجود داشت. این نام از اینجا آمده است سبک معماری Mycenaean - یادبود "سیکلوپ".در میان آنها، به اصطلاح "خزانه داری شاه آترئوس"(تصویر 137) با محیط 14.5 متر و ارتفاع 13.2 متر جواهرات گرانبهای متعددی در مقبره ها یافت شد. این یک مقبره بزرگ گنبدی با یک راهرو - دروموس است که توسط به اصطلاح "طاق کاذب" پوشیده شده است که توسط ردیف های متحدالمرکز سنگ تراشی روی هم قرار گرفته است.

قدرت Mycenae در طول دوره مصادف با دوره مینوی میانه III افزایش یافت.در این زمان بود که آکروپولیس میکنه تقویت شد و اولین کاخ ساخته شد. قدیمی ترین دیوارهای قلعه ساختمان های کاخ را احاطه کرده اند (این تفاوت زیادی با کاخ های کرت دارد). گورستانی در خارج از دیوارهای آکروپلیس ساخته شد.

تدفین در آکروپولیس به اصطلاح انجام شد قبرهای معدنبعدها، در اواسط هزاره، زمانی که محوطه آکروپولیس گسترش یافت، تدفین های جدید به خارج از آکروپولیس منتقل شد و محل گورهای شفت قدیمی با تخته هایی که به صورت دایره ای قرار گرفته بودند احاطه شد.

چیزهای هنری، کشف شده در مقبره های شفت را می توان تقسیم کرد به سه گروه: برخی به سبک محلی و محلی ساخته شده اند. برخی دیگر تحت تأثیر هنر کرت، و برخی دیگر وارداتی بودند. گروه اول شامل سنگ قبرهای ساخته شده از سنگ آهک با نقش برجسته (تصویر 138)، نقاب های طلایی خوابیده بر چهره مردگان (تصویر 139)، ظروف نقره و طلا با نقش برجسته، خنجرهای برنزی با منبت های طلا است.

تحلیل چیزهای دسته اول و دوم نشان دهنده نزدیکی هنر میکنی به کرت است. محصولات وارداتی کرت الگویی برای صنعتگران میسینی شد. اما صحنه های جنگ و شکار تنها مشخصه پلوپونز است.

با این وجود، ثروت عظیم کشف شده در گورهای این گورستان نشان می دهد که حتی در آن زمان دور، Mycenae مرکز یک ایالت بزرگ بود. رشد رفاه مادی آنها بعدها به فرمانروایان Mycenae اجازه داد تا بازسازی باشکوه دیوارهای قلعه را انجام دهند. یکی از این تغییرات ساخت و ساز بود "دروازه شیر"(شکل 140).

دروازه از دو تخته غول پیکر ساخته شده است که به صورت عمودی قرار گرفته اند و توسط یک دال عظیم سوم پوشانده شده است که در بالای آن سنگ تراشی ادامه دارد و یک دهانه مثلثی شکل می دهد تا دیوار بالای دال عرضی را سبک کند.

این مثلث آزاد که اصطلاحاً طاق کاذب نامیده می شود، با یک تخته مثلثی شکل عظیم پوشیده شده است که تصویر برجسته ای از دو شیر زن دارد. دو شکارچی عظیم الجثه پنجه های جلویی خود را بر روی پایه ای قرار دادند که ستونی از نوع اژه ای روی آن قرار دارد، یعنی به سمت پایین باریک می شود. در بالای ستون قسمتی از سقف از تیرهای گرد وجود دارد. شیرزنانی که از ورودی کاخ محافظت می کنند اولین نمونه در هنر مجسمه سازی یادبود در دریای اژه هستند.چهره های بیانگر حیوانات به صورت واقع گرایانه تفسیر می شوند.

ترکیب دال (دو شکل متقارن در طرفین تصویر مرکزی، به اصطلاح "ترکیب هرالدیک") در غرب آسیا ایجاد شده است، اما استاد میکنایی، به جای درخت مقدس مشخصه هنر شرقی، یک معماری معماری قرار داده است. جزئیات نماد کاخ سلطنتی.

در قرن سیزدهم قبل از میلاد مسیح. مقیاس گسترش یافته است کاخی در آکروپلیس میسنی. نقشه های کاخ های پلوپونزی با طرح های کرتی متفاوت است: مجموعه ای از ساختمان های نسبتا کوچک جدا شده با دسترسی به حیاط مشترک. محوطه کاخ که به اصطلاح «مگارون» پادشاه و ملکه نامیده می‌شد، از سه بخش تشکیل شده بود: یک هشتی که به شکل یک رواق با دو ستون تزئین شده بود، یک تالار ورودی کوچک و یک تالار که در مرکز آن وجود دارد. شومینه بود چهار ستون در اطراف اجاق، سقفی را که کمی بالاتر از سقف بود، نگه می‌داشتند. سوراخ بین سقف ستون ها و سقف به عنوان دودکش عمل می کرد. مگارون (13×12 متر) از سنگ تراشیده ساخته شده بود و سقفی چوبی داشت. دیوارهای داخل مگارون گچ بری و رنگ آمیزی شده بود.قطعاتی از نقاشی های دیواری از مگارون Mycenaean امکان بازسازی موضوعات نقاشی ها - شکار، رفتن به جنگ، صحنه های نبرد را فراهم می کند. ماهیت نقاشی و قراردادها در طراحی مانند کرت است، اما تصاویر انسان و حیوانات بیشتر شماتیک و خشک است، تزئینی بر حقیقت غالب است.

حرکت از شمال موج جدیدی از قبایل یونانی - دوریان - مراکز قدیمی فرهنگ اژه را ویران کرد و توسعه هنر واقع گرایانه را برای مدت طولانی متوقف کرد، اما سنت های هنر اژه قدرت خود را در توسعه یونان باستان حفظ کردند. هنر برای مدت طولانی؛ آنها خود را در نقشه های معابد مشابه مگارون، در نقاشی های یادبود، در برخی موضوعات و تکنیک های ترکیب بندی و در فناوری سرامیک نشان دادند.

دستاورد استادان اژه ای در 1000 قبل از میلاد. ه. میراث یونانیان شد. به جرات می توان گفت که بدون این، بناهای کلاسیک هنر یونان باستان که در سراسر جهان مشهور شد، ایجاد نمی شد.

III. هنر دوره هومر (قرن 11 - 9 قبل از میلاد).

دوره تاریخ یونان از قرن یازدهم تا نهم. قبل از میلاد مسیح ه. مرسوم است که آن را "هومریک" می نامند زیرا منبع مکتوب اصلی برای مطالعه آن، اشعار هومر "ایلیاد" و "ادیسه" است.

اساس جامعه یونان سازمان قبیله ای بود که در آن تحت تأثیر توسعه نیروهای مولد، مالکیت خصوصی در حال ظهور بود، نابرابری مالکیت در حال افزایش بود و مقدمات شکل گیری یک نظام برده داری ایجاد می شد. یونان به مناطق کوچک مستقل تقسیم شد. شکل سیاسیاین نظام انتقالی یک دموکراسی نظامی بود که به تدریج به قدرت اشراف قبیله ای تنزل پیدا کرد.

در قرن هشتم و شاید تا قرن نهم. قبل از میلاد مسیح ه.، همچنین شامل قدیمی ترین بقایای بناهای معماری اولیه یونان (معبد آرتمیس اورتیا در اسپارتا، معبد ترموس در اتولیا، معبد مذکور در درروس در کرت) می شود. آن‌ها از برخی سنت‌های معماری میسنی، عمدتاً از طرح کلی مگارون‌مانند استفاده کردند. محراب آتشگاه در داخل معبد قرار داده شد. در نما، مانند مگارون، دو ستون قرار داده شد. قدیمی ترین این سازه ها دارای دیوارهایی از آجر گلی و قاب چوبی بود که بر روی یک ازاره سنگی قرار می گرفت. بقایای روکش سرامیکی قسمتهای فوقانی معبد حفظ شده است. به طور کلی، معماری یونان در دوره هومر در مرحله اولیه توسعه خود بود.

مجسمه یادبود یونان هومر به زمان ما نرسیده است. شخصیت آن را می توان از توصیفات نویسندگان باستانی قضاوت کرد. نوع اصلی این مجسمه، بت هایی بودند که از چوب یا سنگ ساخته شده بودند و ظاهراً نمایانگر یک تنه درخت یا بلوک سنگی تقریباً فرآوری شده بودند که با تصویری به سختی از سر و ویژگی های صورت تکمیل می شد. برخی از ایده های این مجسمه را می توان با تصاویر هندسی برنزی ساده شده خدایان که در حفاری های معبدی در دروس در کرت، ساخته شده در قرن هشتم، یافت شد، به دست آورد. قبل از میلاد مسیح ه. دوریان ها که مدت ها قبل در این جزیره ساکن شده بودند.

ایده شناخته شده هنرهای زیبای یونان در این دوره را می توان از سرامیک های نقاشی شده و مجسمه های کوچک شکل داد.

حلقه اتصال فرهنگ اژه و یونان، گلدان های نقاشی شده به اصطلاح هستند سبک "پرتوژئومتریک".(11-اوایل قرن 10 قبل از میلاد). تزئینات آنها ضعیف است. از خطوط ساده و مواج در اطراف بدنه گلدان یا دایره های متحدالمرکز که به صورت فریز چیده شده اند، تشکیل شده است. با این حال، سنت های صنایع دستی دوران گذشته فراموش نشده است. همانطور که در دوره های قبل از چرخ سفالگری استفاده می شود، تکنیک سرامیک بر اساس پردازش خوب خاک رس است و هنوز هم از لاک براق برای اعمال طرح ها استفاده می شود.

در قرن 10-8. قبل از میلاد مسیح ه. "هندسی" توسعه می یابد شیوه هنری, به این دلیل نامیده می شود که تمام زیور آلات و حتی تصویر انسان و حیوانات در یک هواپیما از ساده ترین عناصر هندسی ساخته شده است - خطوط مستقیم و شکسته، مثلث ها، دایره ها.

نقاشی گلدان به سبک هندسی در سرتاسر سرزمین اصلی یونان، در جزایر دریای اژه و در شهرهای یونانی آسیای صغیر رواج داشت، اما همه جا ویژگی های محلی خود را داشت. برجسته ترین بیان سبک هندسی در گلدان های کار آتیک یافت شد. گلدان هایی با اشکال مختلف: آمفورا (شکل 141)، دهانه ها، فنجان ها در حومه آتن کشف شد - سرامیک، جایی که سفالگران در آن زندگی و کار می کردند، و در گورستان نزدیک دروازه دیپیلون شهر، از این رو نام این گروه از ظروف - گلدان های "دیپیلون".

قرن 9 قبل از میلاد مسیح ه. - اوج شکوفایی سبک هندسی تزئینی; در همان زمان، زینت پرپیچ و خم در نقاشی های گلدان ظاهر شد که به شدت در هنر تزئینی دنیای باستان گنجانده شده بود. نقاشی روی گلدان ها با لاک قهوه ای انجام می شود، اما بسته به پخت می تواند تقریباً مشکی، قهوه ای و قرمز باشد. نقوشی که در سرتاسر گلدان به صورت کمربند چیده شده‌اند، ترکیب‌های متعددی از زیگزاگ‌ها، مثلث‌ها، گل سرخ‌های چهار گلبرگ، دایره‌های متحدالمرکز و سواستیکا هستند - یک علامت جادویی که نماد نقاط اصلی است.

از اواخر قرن نهم. قبل از میلاد مسیح ه. تصاویر حیوانات - بز، اسب، پرندگان آبزی و انسان - روی گلدان ها ظاهر می شوند.

صنعتگرانی که سرودن زیور آلات برایشان امری رایج بود، با کار جدید و دشواری در به تصویر کشیدن یک شخص مواجه بودند و جز مهارت ترسیم نقوش هندسی، هنوز توانایی انتقال مضمونی جدید را نداشتند.

ابتدا، شکل انسان به صورت شبح ترسیم می شود، سر در نیمرخ، بدن در جلو، پاها در نیمرخ نشان داده شده است (شکل 142). حیوانات نیز به صورت شماتیک ترسیم می شوند.

در نیمه دوم قرن هشتم. قبل از میلاد مسیح ه. با توسعه زندگی اجتماعی در یونان، دامنه موضوعات گسترش می یابد. اکنون در گلدان ها صحنه هایی از نبردهای دریایی و خشکی، رقص های دور، نوازندگان، مسابقات ورزشی و تصاویر اسطوره ای را می بینیم. شکل انسان با حقیقت بیشتری ترسیم شده است، نه تنها بینی، بلکه چانه نیز روی صورت مشخص شده است، مو و لباس نیز کشیده شده است.

سبک هندسی در مجسمه سازی نیز ظاهر شد. هنر پلاستیک کوچک 9-8 قرن. قبل از میلاد مسیح ه. ساخته شده از خاک رس، برنز، استخوان. در آغاز قرن 9. قبل از میلاد مسیح ه. مربوط بودن مجسمه های بت سفالی، با گردن دراز غیر طبیعی، ویژگی های صورت به سختی مشخص شده، و پاهای تقریباً حجاری شده. در مجسمه های قرن هشتم. قبل از میلاد مسیح ه. ساخت صحیح تری از شکل انسان به دست آمده است، اولین تلاش ها برای مدل سازی صورت، دست ها و پاها انجام شده است. با این حال، بدن هنوز هم به شکل یک مثلث صاف حل می شود. پیکره های سوارکاران، جنگجویان، شخم زن، اسب ها (تصویر 143)، آهو، گروهی: قهرمانی که با سنتور می جنگد (شکل 144)، شکارچی با سگ و حیوان وحشی مجسمه هایی هستند که به معابد اهدا شده اند..

در مرحله مورد توجه هنر باستانی یونان، نیمه دوم قرن هشتم باید به ویژه برجسته شود. قبل از میلاد مسیح ه. - دوره تسلط اقتصادی و سیاسی اشراف قبیله ای بر اساس اشکال ابتدایی مالکیت زمین و برده داری.

در این قرن، موضوع اصلی هنر - انسان - تثبیت شد و ترکیبات چند پیکره برای اولین بار در هنر یونان ظاهر شد.

دوره هومر مهمترین مرحله هنر یونان اولیه است. این برای شکل گیری یک سیستم سختگیرانه از دیدگاه ها و ایده های اسطوره ای، که اساس توسعه همه انواع هنر در یونان را تشکیل می دهد، ارزشمند است. در همان زمان، پایه‌های معماری معبد، مجسمه‌سازی تاریخی و نقاشی هلاس گذاشته شد.